АРТ-ИНСТАЛЛЯЦИЯ КАК ФОРМА ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА: ИЗВЕСТНЫЕ ПРОЕКТЫ ПРОШЛОГО И НАСТОЯЩЕГО

Одним из трендов художественных выставок в начале 2020-х годов стала иммерсивная выставка (от англ. immersive — погружение) – интерактивные витрины, в которых демонстрируют произведения таких мастеров конца девятнадцатого века, как Клод Моне и Винсент Ван Гог. Известные картины будто оживают во всеобъемлющем пространстве, погружая каждого посетителя такой выставки внутрь среды, создаваемой произведениями искусства. Создатели экспозиции использовали передовые технологии для новых художественных пространств, однако идея подобных выставок родилась задолго до появления искусства инсталляции. Но и сегодня арт-инсталляции продолжают оставаться одним из самых революционных видов современного искусства. Более того, ведущие деятели художественного мира, такие как Дэмьен Херст, Яёи Кусама и Кара Уокер, обратились к этой практике, чтобы воплощать свои самые смелые идеи в виде инсталляций.

Так что же такое искусство инсталляции? Кто-то может попытаться описать его как огромную скульптуру, но искусство инсталляции — это больше, чем просто трёхмерная форма. В широком смысле это работа, выполненная в достаточно большом масштабе, чтобы доминировать в окружающем пространстве или даже полностью занимать его, меняя отношение зрителя к самой работе путём взаимодействия с художественным произведением. Другими словами, искусство инсталляции создаёт свою собственную среду и позволяет художнику манипулировать материалами и масштабами так, чтобы заставить зрителя почувствовать себя как бы перенесённым в другой мир.

История искусства инсталляции

Динамичный характер искусства инсталляции частично проистекает из его богатой истории на пересечении нескольких авангардных художественных течений 20-го века. Кратко рассмотрим некоторые из этих ключевых моментов:

- 1910-1930-е годы

В то время как самые ранние работы, получившие название «инсталляции», впервые появились в 1960-х годах, её корни можно проследить ещё в первые десятилетия 20-го века, когда художники пытались найти способ привнести в изобразительное искусство новую творческую энергию. Для многих поколений художники издавна стремились отобразить реальность в рамках композиции. Например, в прошлые века приветствовались картины, выполненные в технике мастеров эпохи Возрождения, а классическая скульптура привлекала внимание, когда имитировала идеализированные формы человеческого тела.

Однако художники-авангардисты начала 20-го века захотели добиться большего в своём творчестве. Вместо совершенных форм они хотели наполнить свою работу эмоциями и выразительностью. Вместо классических произведений авангард стремился подвергнуть сомнению природу самого изобразительного искусства, экспериментируя с тем, как современная аудитория может непосредственно взаимодействовать с арт-пространством. Эти новаторы искали новый путь в искусстве, который изменил бы отношения между зрителем и самим произведением искусства.

Несколько художников этого периода сосредоточились на этой задаче. Марсель Дюшан, французский новатор движения дада, был одним из пионеров этого нового образа мышления. В 1910-х годах он исследовал возможность внесения в галерею неожиданных объектов, чтобы противопоставить выставленные предметы стандартным ожиданиям публики в отношении изобразительного искусства. Эти инсталляции, впоследствии получившие название «реди-мейды», состояли из элементов, предназначенных исключительно для практических целей — например, лопаты для уборки снега, подставки для бутылок и велосипедные колёса, — которые затем были представлены в новых сочетаниях и с новыми названиями, перевернувшими их функциональные роли. Создавая эти скульптуры, Дюшан заставлял аудиторию задуматься о том, как восприятие этих форм в галерейном пространстве может изменить наше видение. С одной стороны, он расширял само определение искусства; с другой стороны - экспериментировал с нашим опытом восприятия изобразительного искусства.

Развитию искусства инсталляции также способствовали концептуальные работы таких мастеров, как немецкий художник Курт Швиттерс. Швиттерс, который к 1930-м годам стал пионером архитектурного эксперимента в своём проекте «Мерцбау», где превратил внутренние пространства здания в абстрактные, почти кубистические интерьеры с использованием геометрических деревянных плоскостей. «Мерц» был термином, придуманным Швиттерсом для своего собственного направления в дадаизме, а его «Мерцбау» стал первым коллажем архитектурных форм. Внутренний ландшафт экспозиции постоянно менялся, и тем, кто входил в пространство, приходилось как-то взаимодействовать с его многочисленными поверхностями и формами уже на новом уровне.

- 1940-1960-е годы

По мере того, как работы Дюшана и Швиттерса набирали популярность в мире искусства, стали появляться более динамичные примеры искусства инсталляции. Дюшан дебютировал в 1966 году со своей арт-диорамой-инсталляцией под названием «Étant donnés: 1. la chute d’eau, 2. le gaz d’éclairage» (в переводе «Дано: 1. Водопад, 2. Светящийся газ» и получившей название «Given»), на котором изображена лежащая обнажённая женщина в фантастическом пейзаже, видимая только через смотровое отверстие, вырезанное в большой деревянной двери. Дюшан подтолкнул свою работу в область сюрреализма, а также вышел за рамки одной скульптуры, чтобы создать художественную среду, в которой тайный способ просмотра привлекал внимание зрителя. С аналогичными работами Дюшан впервые познакомил публику с визуальной силой инсталляционного искусства.

Эту концепцию использовал французский художник-концептуалист Ив Кляйн в своей работе «Пустота» 1958 года. Его произведение представляло собой совершенно пустое пространство галереи, которое Кляйн модифицировал, покрасив стены, пол и потолок в белый цвет, чтобы аудитория ощущала пустоту выставочного пространства. Таким образом Кляйн бросал вызов представлениям о современном музее, который подхватил бельгийский сюрреалист Марсель Бротарс. В том же духе Бротарс превратил часть своего дома в музей современного искусства - инсталляцию, призванную имитировать музейную коллекцию, сфокусированную на орлах. Оба художника стремились к тому, чтобы их инсталляции изменили взаимодействие аудитории с произведением искусства и само представление о музее в целом и его экспозициях.

В это же время прошла первая волна перформансов таких энтузиастов, как Клас Ольденбург, Брюс Науман и Аллан Капроу. Живые выступления Ольденбурга, также известные как «хэппенинги», и записанные перформансы Наумана (такие как «Положения стены-пола» 1968 года) побуждали зрителей сомневаться в самом определении искусства. «18 событий в 6 частях» Капроу в 1968 году включали хореографические постановки, призванные вовлечь аудиторию в исполнение танца, инициировав всех становиться активными участниками финального воплощения художественного произведения.

Реализация этих идей была важна для эволюции искусства арт-инсталляции, и в конечном итоге эти работы стали корнями последующих художественных движений. Например, Ольденбург создал вымышленную галерею, чтобы продавать свои работы вместе с другими вещами. Это представление в равной степени концептуальное, в виде перформанса и инсталляции открыло путь для поп-арта, который в то время только зарождался.

Известные примеры искусства инсталляции

Многие инсталляции сыграли ключевую роль в развитии разнообразных художественных движений 20-го века, выдвинули пространство художественной галереи на новую территорию, продемонстрировав, что современное искусство может выходить за рамки статической демонстрации картин и скульптур. Авторы этих инсталляций стали своего рода трамплином для последующих поколений, чтобы они продолжали исследовать эту область искусства.

- «Склад» Аллана Капроу (1961)

Новаторский вклад Алана Капроу в искусство инсталляции был заметен в его работах ещё до его знаковых «18 событий в 6 частях». Доказательством этого служит инсталляция «Склад», в котором хранились чёрные шины, беспорядочно разбросанные по полу галереи. Эти объекты не были зафиксированы, так что посетители могли перемещать, бросать или иным образом изменять композицию.

- «Спиральная пристань» Роберта Смитсона (1970)

По-прежнему популярная достопримечательность на берегу Большого Солёного озера в штате Юта, «Спиральная пристань» Роберта Смитсона перенесла идеи инсталляционного искусства в новую область, известную как ленд-арт. Спиральная пристань Смитсона была построена из глины и базальта и простирается вдоль северо-восточной береговой линии озера. Сооружение усиливают кристаллы соли, которые сформировались с течением времени и изменили внешний вид работы, в результате чего появился пример инсталляции, которая будет меняться вместе с природным ландшафтом.

- «Званый ужин» Джуди Чикаго (1972–1974 гг.)

Культовая инсталляция Джуди Чикаго представляет собой массивный банкетный стол треугольной формы, за которым было приготовлено место для 40 известных женщин истории – отдельные скатерти, блюда и кубки.

- «Наклонная арка» Ричарда Серры (1981)

«Наклонная арка» Ричарда Серры - одна из первых работ, познакомивших мир с полемикой, которую может спровоцировать инсталляция. Она представляла собой массивную скульптуру - плавная дуга стального гиганта создала искусное геометрическое сочетание с каменной кладкой площади, если смотреть на композицию сверху. Вскоре после установки сотрудники, работавшие в двух правительственных зданиях по обе стороны площади, начали жаловаться, поскольку инсталляция препятствовала проходу между башнями. Как оказалось, это и было частью замысла Серры - как и другие художники этого направления, он намеренно вовлёк аудиторию в свой творческий проект. Однако публика думала иначе - после петиций и публичных слушаний арку демонтировали.

- Нам Джун Пайк, «Чем больше, тем лучше» (1988)

Признанный мастер видеоарта, корейский художник Нам Джун Пайк, прославился своими работами, в которых использовались современные технологии. От своего робота K-465 (1964 г.) до телевизионного бюстгальтера живой скульптуры (1969 г.), созданного в сотрудничестве с Шарлоттой Мурман, художник широко использовал новые технические достижения в своём творчестве. Так, его инсталляция «Чем больше, тем лучше» состояла из башни, построенной из более чем тысячи телевизоров. Первоначально композиция была создана для празднования Олимпийских игр 1988 года в Сеуле.

- Дэмиэн Херст, «Аптека» (1992)

Британский художник Дэмиен Херст применял провокационные сюжеты в своих работах, свидетельством чего стала его консервированная акула в композиции 1991 года. В своей «Аптеке» Херст создал полки, уставленные флаконами с таблетками и медицинскими инструментами.

- Олафур Элиассон, «Проект погода» (2003)

Сияющее солнце, парящее над туманным горизонтом, может напоминать рассвет над Сахарой, но для датско-исландского художника Олафура Элиассона эта массивная инсталляция – пример фантастического дизайна. Используя тусклые лампы и зеркальные панели, чтобы создать иллюзию горящего шара в центре пространства галереи, Элиассон позволил посетителям ощутить, что они невесомо плывут сквозь вселенную.

- Христо и Жанна-Клод, «Триумфальная арка в упаковке» (1962–2021 гг.)

В 1962 году известные художники Христо и Жанна-Клод задумали обернуть тонкой тканью одну из главных достопримечательностей в самом центре Парижа - Триумфальную арку. В то время реализацию такого проекта с памятником не разрешили, и в течение многих лет художники создавали другие подобные инсталляции. Открытие «Триумфальной арки в упаковке» состоялось лишь в 2021 году, когда один из авторов, Христо, уже скончался.

 

Классиком инсталляции в нашей стране является Франциско Инфанте-Арана, который ещё в 1968 году создал на снегу яркую композицию «Посвящение Малевичу».

Его знаменитая серия «Странствия квадрата», начатая в 70-х годах прошлого века, является великолепным примером удивительного искусства, называемого ныне ленд-артом.

Искусство арт-инсталляций охватывает широкую творческую сферу: от создания массивных внушительных скульптурных композиций до композиций миниатюрного пространства. Как и все другие современные движения, популярность инсталляционного искусства растёт и ослабевает в зависимости от современных тенденций. При этом искусство инсталляции за прошедшее столетие зарекомендовало себя как одно из самых интересных направлений современного искусства. С одной стороны, эта популярность тесно связана с технологическими изменениями — упомянутые выше иммерсивные выставки Ван Гога, например, используют технологию виртуальной реальности. В то же время, некоторые из самых потрясающих образцов инсталляционного искусства практически не изменились с момента их создания десятилетия назад.

Почему же эти арт-произведения не теряют своей популярности? Возможно, по причине их глубокой связи со своей аудиторией. Это и есть сила арт-инсталляций - способность переносить зрителя в другое время или место и вовлекать его в фантазию, задуманную автором.