НОВОСТИ
ПРЕВРАЩАЯ ГЛИНЯНУЮ ПОСУДУ
Керамика и искусство дружат дольше, чем другие виды творчества. Ещё с периода палеолита этот вид искусства развивается во многих формах. Слово керамика происходит от древнегреческого «керамос» - глина, которая является пластичной горной породой. Глина состоит из минералов группы «каолиниты», названной так по местности Каолин в Китае. В основном глины имеют бурый цвет, как мы себе и представляем, но глина «каолин» - это белая глина. Керамика - это изделия, изготавливаемые из смеси глины с другими материалами и затем обжигаемые при высокой температуре. Для изготовления керамических изделий необходима мастерская. Процесс изготовления керамики в общих чертах пошагово выглядит так: приготовление мягкой глиняной массы (шликер) формовка сушка глазуровка обжиг. Шликер – это разбавленная водой масса из глины и примесями других материалов (например, кварцевого песка) для придания необходимых свойств будущему керамическому изделию. После приготовления смесь разливается в специальные формы для просушивания. При ручном способе изготовления керамики готовится пластичная глиняная масса, которая выкладывается на вращающийся гончарный круг. После формования, сушки и затвердевания на изделие тонким слоем наносится прозрачная, белая или цветная глазурь. Глазурь - это специальная смесь, которая после температурной обработки создаёт на изделии стекловидную поверхность. Разнообразные оттенки глазури можно купить в специализированных магазинах. Обжиг выполняется при высокой температуре в печи. Керамические изделия всегда украшались орнаментом или изображениями. С образцами керамики древних можно ознакомиться в каждом историческом музее. Искусство керамики достигло невиданных высот ещё в далёкой древности. Вспомним античные вазы и блюда Древней Греции, декоративную майолику Ренессанса, а также фарфор и фаянс последующих веков. Это всё разновидности керамики. С течением времени менялись технологии изготовления керамики (например, появилось литьё в формы), но неизменным остаётся производство керамических изделий с помощью гончарного круга, на котором можно создать собственный глиняный шедевр. МАСТЕРА КЕРАМИКИ 21 ВЕКА Следуя одной из старейших традиций в истории человечества, керамика и гончарное искусство на протяжении тысячелетий служили средством творческого самовыражения. Древние керамические горшки, вазы, кувшины и тарелки, предназначенные для практического использования, позволяли мастерам также создавать произведения искусства из глины. Современные художники-керамисты используют в основном методы мастеров прошлого, доказывая, что этот материал обладает не только функциональным, но и концептуальным потенциалом в мире современного искусства. Сочетая искусство, дизайн и функциональность с традиционными, современными или экспериментальными методами, эти художники вдыхают новую жизнь в вековые традиции. Израильский художник Земер Пелед, обучавшаяся в престижном лондонском Королевском колледже искусств и получившая степень магистра керамики, создаёт свои небольшие и масштабные изделия из тысяч фарфоровых черепков. Её практика включает обжиг и глазирование глины перед тем, как разбить её на куски, а затем использовать осколки для создания полноценных работ, которые выставляются в галереях США и Великобритании. Эдмунд де Ваал известен своими масштабными инсталляциями из фарфора. Художник проявил интерес к керамике в пятилетнем возрасте, впоследствии окончив Кембриджский университет, обучаясь у гончара Джеффри Уайтинга, и получив стипендию англо-японского фонда Daiwа. Де Ваала вдохновляют традиционные японские миниатюры, а также работы абстрактного экспрессиониста Барнетта Ньюмана и минималиста Дональда Джадда - его работы будто стремятся объединить эстетику Востока и Запада. Отмеченный несколькими наградами британский художник Николас Лис создаёт керамические изделия, которые словно исследуют игру света и тени и имеют почти идеальные формы. Каждый объект кропотливо вырезается вручную на токарном станке, используются белый или цветной фарфор, а также кобальт, медь и золото. В своих работах Лэй Сю удачно сочетает традиционное и современное - в серии «Чаепитие» мастер создал композицию из фарфоровых банок с мотивами китайской династии Мин, своего рода сочетая традиционные восточные чайные церемонии и потребление газированных напитков из металлических банок в нашу эпоху. Лэй Сю лепит банки вручную, придавая им разные формы перед нанесением краски. Уолтер Усай научился этому ремеслу у своего отца, известного художника-керамиста Эльвио Усаи, который открыл свою собственную мастерскую в 1959 году. Работая в том же месте, Уолтер Усай создаёт сложные или минималистские керамические изделия, сочетающие в себе традиции и современность. Помимо ваз, чаш и декоративных предметов, художник также работает и с традиционными кувшинами, которые дарят в качестве свадебного приданого невесты на итальянской Сардинии. Изготовленные из полихромной глазурованной керамики, изделия имеют разные цвета и декоративные элементы. Работы художника Кристофера Дэвида Уайта обманчиво похожи на деревянные скульптуры и на ржавый металл. Необычные работы Уайта, созданные в процессе наслоения глины, выставляются по всему миру. Британец Грейсон Перри использует керамику как средство повествования, остроумно и аллегорично описывая с помощью нанесённых на глиняные кувшины изображений сцены из жизни. Такие послания на художественных изделиях несут в себе и социальный подтекст, затрагивая темы искусства, справедливости, предрассудков, религии и их значение в современном обществе. Роджер Колл изучал архитектуру, скульптуру и керамику и много лет работал в архитектурной фирме в Барселоне. В 2009 году он открыл собственную керамическую студию. Используя свой опыт в архитектурном дизайне, Роджер Колл создаёт динамичные керамические скульптуры, которые напоминают движущиеся объекты, застывшие во времени. Датчанин Стин Ипсен известен в мире керамического искусства –.его работы включены в постоянные экспозиции музеев Парижа и Лондона. Ипсен использует сферические и продолговатые формы в замысловатых керамических композициях, которые он дополняет струнами из ПВХ или кожи. Чтобы добиться идеальной отделки и однородной монохромной поверхности, художник несколько раз глазирует и обжигает свои скульптуры и декорирует вручную по гладкому фарфору. Марта Ригер глазирует свои изделия, используя самые разные техники. Некоторые штампуются губкой, а другие – путём нанесения маскировочного покрытия на участки. У Ригер есть своя команда, которая помогает ей создавать художественные изделия. Польская художница по керамике Моника Патушинская использует художественные предметы как инструмент для исследования природы керамики, используя нетрадиционные методы в процессе. Работая с использованными гипсовыми формами с керамических фабрик, она создаёт гибридные объекты, в отличие от гладких, идеально глазурованных изделий. Ирина Разумовская из Санкт-Петербурга изучала керамику и изобразительное искусство в Российской государственной специализированной академии искусств, а затем в Королевском колледже искусств в Лондоне. В серии Barkskin она исследует влияние течения времени как на архитектурные сооружения, так и на природу. Скульптурные изделия художницы имеют простые геометрические формы, нежные цвета и фактурную отделку, словно отслаивающиеся или плавящиеся слои. В Москве наблюдается небывалый интерес к искусству керамики. Проводятся фестивали керамики - ближайший из них состоится 27-28 ноября в Даниловском ивент-холле, на котором мастера представят свои уникальные керамические идеи, а ценители авторских работ смогут не только приобрести понравившиеся предметы, но и поучаствовать в творческом процессе на мастер-классах, неизменно проводимых в рамках этого фестиваля. До 15 августа в парке искусств «Музеон» открыта для посещения уличная фотовыставка «Искусство повседневности. Из собрания Всероссийского музея декоративного искусства». Фотовыставка представляет лучшие произведения декоративно-прикладного искусства России второй четверти XVIII – начала XIX века из фондов музея. Коллекция включает и керамические изделия, например, изразцы. В музее-заповеднике Коломенское до 15 сентября можно посетить выставку «О вкусах не спорят», на которой представлены усадебные коллекции XVIII—XIX веков: фарфоровые сервизы и другие керамические изделия из коллекций, принадлежавшим именитым семьям. Единственный в России специализированный музей керамики расположен на территории красивой усадьбы Кусково – более 40 тысяч экспонатов, от эпохи Древней Греции и Рима до коллекций уникального фарфора известных российских мануфактур. До 25 сентября 2022 года открыта и специальная юбилейная выставка, посвящённая 100-летию музея. В керамической мастерской Кусково также проводятся и занятия по гончарному искусству (индивидуальные и групповые). Гончарная Школа мануфактуры «Дымов Керамика» на ВДНХ также познакомит всех желающих с историей и технологией керамического производства. Мастер-классы по гончарному искусству в мастерской школы позволят участникам пройти все этапы производства керамики от подготовки глины к работе до обжига в печи.
Подробнее
ВОЛШЕБНАЯ ПАЛОЧКА ХУДОЖНИКА
Инновационное изобретение металлического наконечника, соединяющего щетину и ручку кисти, позволила производителям создавать революционно новые формы кистей, каждая из которых помогает художникам творить. Современные кисти бывают разных форм, размеров и типов щетины - и все эти свойства могут стать помощником для художника, либо препятствием, в зависимости от желаемого результата. Работаете ли вы масляными, акриловыми или акварельными красками, правильно подобранная кисть поможет вам реализовать творческие идеи. Основные составляющие кисти – это щетина (может быть натуральной, синтетической или смешанной), наконечник (насадка, соединяющая щетину с ручкой), часть наконечника, которая крепит его к ручке, и, собственно, ручка (обычно деревянная или пластиковая). Выбирая кисть, следует изучить каждую её часть, поскольку все детали могут повлиять на вашу работу. Размер кисти обозначается числом, напечатанным на ручке. Номера кисти начинаются с 0, 1, 2 и выше. Чем выше число, тем больше или шире кисть. Художественные кисти разных производителей различаются не только по размеру, но и по толщине. Если вы рисуете акварелью, гуашью или темперой, толстая кисть удержит значительно больше краски. Это позволяет дольше рисовать, не делая перерывы в процессе. Но если вам нужна кисть для «сухой» техники живописи неразбавленными красками, вам понадобится кисть, которая «забирает» меньше краски. Ручка кисти чаще всего изготавливается из дерева, окрашенного или покрытого лаком, но также может быть изготовлена из пластика или бамбука. Длина варьируется от очень короткой (например, в дорожных коробках с краской) до длинной (идеально подходит для холстов больших размеров). Щетина кисти также может быть разной в зависимости от того, для чего предназначена кисть (натуральная щетина, колонок, искусственная щетина и пр.). Самое главное, чтобы щетинки были прочно закреплены и не выпадали во время рисования, а также меньше стирались от частого применения. Металлический ободок - это часть, которая удерживает ручку и щетину вместе. Обычно его делают из металла, но бывают варианты и из пластика или проволоки. Качественный ободок не ржавеет и не расшатывается. Типы щетины кистей Существует множество типов кистей, предназначенных для разных техник живописи и для разных красок. Некоторые кисти лучше работают с более густыми красками, чем с жидкими пигментами, а другие - наоборот. Есть кисти, которые помогут создать тонкие линии, и кисти, которые используются для создания текстуры на холсте. Щетинки бывают разной длины и формы: длинные, средние и короткие, плоские и круглые, тонкие и толстые, в зависимости от формы кисти и её применения. Обычно средние или длинные щетинки хорошо подходят для жидких красок и могут использоваться для создания мелких деталей или для покрытия большей площади на картине. Короткие щетинки кисти особенно полезны при использовании таких техник, как точечная обработка, или если вы хотите полностью контролировать форму своих мазков. Щетина изготавливается из разных материалов - натуральной или синтетической. Натуральная щетина делится на две категории: мягкая шерсть и свиная щетина. Мягкая щетина чаще всего изготавливается из волоса быка, пони, козы, мангуста или барсука. Свиная щетина более жёсткая и может удерживать много краски. Синтетические кисти обычно изготавливаются из нейлона или полиэстера. Они не только дешёвые по стоимости, но и их легче чистить. С другой стороны, они не впитывают столько пигмента, как натуральные кисти, и не такие мягкие. Круглый заострённый кончик тонкой кисти подходит для создания набросков, контуров, детальной работы, закрашивания небольших участков. Такая кисть создаёт как тонкие линии на кончике, так и широкие мазки при надавливании на кисть. Кисти с таким наконечником лучше использовать с красками, разбавленными водой или растворителями, а не с густыми красками. Круглая кисть - это традиционная форма кисти, то, что большинство людей представляют как «кисть художника»; Плоской или овальной формы наконечник со средними и длинными волосками щетины используется для растушёвки, создания плавных закруглённых краёв. Такая кисть представляет собой своего рода сочетание круглой (можно использовать для проработки мелких деталей) и плоской кисти (может заполнять краской участок большей поверхности, чем круглая кисть); Плоская веерная кисть с пушистой щетиной хорошо помогает в растушёвке и смешивании цветов, создания коротких штрихов и точечной обработки изображения, сглаживания мазков. Синтетическая щетина лучше подходит для текстурных эффектов (например, облака, трава или листья на деревьях); Кисти с приплюснутым видом наконечника и со скошенным углом щетинок легче применять для изогнутых штрихов и закрашивания углов небольших участков (например, в углу картины). Эти кисти также можно использовать для покрытия большого пространства, как и кисти с плоским наконечником; Тонкая кисть с короткой ручкой и длинными щетинками подходит для мелких деталей, тонких линий, коротких штрихов, а также для создания авторской подписи на картине - Затуплённый кончик круглой кисти со средними и длинными щетинками подходит для жирных мазков и заполнения широких участков, а также для нанесения фиксирующего лака; - Плоская кисть, как следует из названия, имеет щетину, расположенную так, что кисть довольно широкая, но не очень толстая. Длина щетинок может быть разной. Помогает создавать как густые, насыщенные мазки, так и тонкие, небольшого размера, если рисовать узким краем кисти. Синтетическая щетина с коротким ворсом на плоской кисти будет удерживать меньше краски, чем кисть с более длинным, натуральным или смешанным ворсом. Ухаживаем за кистями правильно Если тщательно очищать кисти от краски, они прослужат дольше. Общие рекомендации включают следующие правила: - После процесса рисования сотрите излишки краски тканью. Промойте кисть скипидаром или маслом при рисовании масляными красками, тёплой водой - если вы использовали краски на водной основе и затем вытрите кисть тканью насухо. Никогда не используйте горячую воду, так как это может привести к расширению наконечника и выпадению волосков щетины кисти; - Для полной очистки осторожно промойте кисть с помощью небольшого количества мягкого мыла (или щадящего средства для мытья посуды). Аккуратно нанесите кисть на кусок мыла, затем взбейте пену в небольшом контейнере или на ладони, если вы не использовали токсичные пигменты или растворители. Промойте ещё раз и повторяйте процедуру, пока не исчезнут следы краски и мыла. Никогда не нажимайте сильно на кисть в процессе мытья и очистки. Стряхните воду и аккуратно придайте правильную форму щетине пальцами. При необходимости оберните щетину салфеткой или бумажным полотенцем, пока кисточка ещё влажная; - Оставьте кисть сохнуть при комнатной температуре. Всегда используйте отдельные кисти для масляной живописи и красок на водной основе. Также не рекомендуется использовать кисть для акриловой краски, которую вы уже использовали для масла. Пользуйтесь отдельными кистями для лака и грунтовки – такие вещества особенно плохо воздействуют на кисти, поэтому при их нанесении лучше использовать дешёвые синтетические кисти. Акриловая краска очень быстро сохнет – поэтому не следует оставлять кисти с ней надолго вне воды. Также нельзя оставлять надолго кисть в воде, так как это испортит щетину, особенно с мягким ворсом. Лучше всего использовать неглубокий лоток, чтобы щетина всегда оставалась влажной, когда вы не пользуетесь кистью. Ручка кисти должна опираться на край лотка – таким образом кисть защищена от намокания и отслоения лака на её ручке. Кисть для акриловых красок всегда следует смочить перед тем, как набрать краску – это предотвратит прилипание краски к сухой щетине и образование комков затвердевшей краски. После очистки кистей необходимо проверить, что возле наконечника кисти не осталось следов краски. Если краска затвердеет в этом месте, щетина с большой вероятностью будет расслаиваться. Наконец, убедитесь, что вы всегда храните кисти полностью сухими в закрытой коробке.
Подробнее
ПРЕДСЕДАТЕЛИ ЖЮРИ КОНКУРСА «РИСУЕМ ВМЕСТЕ С КОМУС»
- Столичный театр постепенно оживает, несмотря на всё ещё нестабильную ситуацию с вирусной пандемией. Соскучились по зрителю? НЕЛЛИ УВАРОВА: Конечно, театру невозможно обходиться без зрителя, и когда двери снова открылись, у всех было чувство огромной радости. Мы вернулись в наше обычное русло работы – я вижу, как зрители реагируют, что они тоже рады. Театр идёт навстречу зрителю – выходит очень много новых работ, премьер. Несмотря на все препятствия, театр не собирается сбавлять обороты. - На ваш взгляд, как изменился театральный мир в связи с ограничениями, вызванными пандемией? АЛЕКСАНДР ГРИШИН: Театральная жизнь безусловно изменилась, и, главным образом, изменилась жизнь артистов. Естественно, очень тяжело играть в полупустом зале. Театр – это живое искусство, спектакль – это живой организм, всё это невозможно без присутствия зрителей. Прошлый год был трудный, и этот год тоже тяжёлый для театра. Актёры по кругу заболевают и выздоравливают, проводится ввод новых актёров в постановки. Иногда, конечно, это даёт новую жизнь спектаклю, но лично я против подобных изменений. Пандемия сильно ударила в целом по театральному миру – и продолжаются попытки вернуть публику в залы. Пока нет ясного представления, куда театр движется и каким он станет в будущем. Тем не менее, я думаю, что те, кто любит театр, так и будут в дальнейшем посещать спектакли. - Несколько слов о последних премьерах с вашим участием. Что порекомендуете посетить в первую очередь? НЕЛЛИ УВАРОВА: Очень важный социальный проект театра РАМТ (Российский академический молодёжный театр) в этом году – документальный спектакль «Деревня и я» о жизни современных подростков, живущих вдали от крупных городов. Слова в этой постановке – это не текст пьесы, это реальные слова подростков из разных малонаселённых областей страны. Недавно, в апреле, к нам приезжали герои этого спектакля. Поначалу я думала, что зрителями будут только московские ребята, которые хотят узнать, как живут их сверстники в совершенно других условиях, но наш зал собирает также и очень много взрослых зрителей, что говорит о том, что это очень серьёзная и актуальная тема и для других поколений. Хочется особо отметить моноспектакль «Правила поведения в современном обществе», номинант премии «Золотая маска». Я 16 лет его играла в РАМТе, теперь он переходит в свободное плавание, и будет жить новой жизнью на других театральных площадках Москвы и гастролировать по стране. В этом сезоне должен выйти ещё один спектакль – «Дни Савелия» по очень популярному роману Григория Служителя, мы будем играть в служебных двориках театра, как летний театральный вариант. Из наших последних работ в РАМТе две премьеры – классика и проза. В мае состоялась премьера спектакля «Сны моего отца», в котором участвует Александр, поставленного по рассказам современного автора Романа Михайлова. Один из моих самых любимых спектаклей – «Нюрнберг», где мы играем вдвоём с Сашей, считаю его крайне актуальным в наше время. Также могу рекомендовать «Лада, или радость» - спектакль про жизнь в деревне, о любви и верности, я играю там собаку по кличке Лада. Зрители много смеются и плачут на этой постановке и уходят совершенно очищенными, могу сказать, что это спектакль-очищение. АЛЕКСАНДР ГРИШИН: В РАМТе есть спектакли как для детей, так и для молодёжи и для взрослых. Одна из последних премьер с моим участием – «Ромео и Джульетта» в постановке Егора Перегудова, где я играю главу семейства Капулетти. В этом году мы выпустили премьеру также в постановке Перегудова «Сны моего отца» по рассказам Романа Михайлова. Это совершенно иное сценическое пространство, все, кто посетил спектакль, не остались равнодушными. Не буду открывать все сюрпризы постановки, осенью с открытием очередного сезона рекомендую посетить этот спектакль. - Расскажите о проекте РАМТа «Вслух!», участниками которого вы являетесь. АЛЕКСАНДР ГРИШИН: «Вслух!» - это ежемесячные читки произведений в нашем театре. Изначально мне хотелось сотрудничать с режиссёром Марфой Горвиц, но не получилось, так как в тот период я был задействован в спектакле «Сны моего отца». Я попал на последнюю июньскую читку произведения Гюса Кейера «Книга всех вещей» – очень актуальной истории, рекомендую для прочтения. Марфа Горвиц предложила мне сыграть роль отца, религиозного фанатика – получился очень страдающий человек, у которого попросту нет другой модели поведения. Моя дочь ходила на эту читку и сказала мне после: «Папочка, не становись таким папой. Будь таким папой, которого я знаю». Для меня это была самая большая похвала работы. Алексей Владимирович Бородин хочет, чтобы эта постановка была в репертуаре театра. В рамках этого проекта Нелли тоже выступала в роли режиссёра – весной была читка книги Ольги Громовой «Сахарный ребёнок». «Вслух!» - это, конечно, не полноценные спектакли, из многих читок может и не вырастут постановки. Но в эпоху тотального информирования, порой и ненужного, и острой нехватки времени этот проект помогает хотя бы ознакомиться с теми произведениями, которые можно прочесть. Я обратил внимание на очень много незнакомых книг благодаря таким читкам. И очень здорово, что молодые режиссёры и артисты могут таким образом раскрыться и взаимодействовать с юными зрителями. - География ваших гастролей в этом году? НЕЛЛИ УВАРОВА: Недавно я влилась в команду уникального проекта Театра Наций – «Прикасаемые», на сцене играют слепоглухие актёры. В мае я ездила на гастроли в рамках этой постановки. В июле планируются гастроли РАМТа, а в конце августа – Театра Наций, собираемся посетить Нижний Новгород, затем в планах страны Прибалтики. - Немного о съёмках в кино и работе на телевидении: ваши впечатления о кинопремьерах этого года с вашим участием? АЛЕКСАНДР ГРИШИН: В этом году было очень много телевизионных премьер. По каналу Россия-1 вышел 8 сезон «Склифосовского» («Склиф-8»), где я исполняю очень интересную роль. Экранизирован одноимённый роман Захара Прилепина «Обитель» - автор отметил, что в фильме получился замечательный Алексей Крапин, которого я играю. По Первому каналу также показывали сериал «Курорт цвета хаки» с моим участием. Все три работы очень разные, интересные, работы, которые мне по душе. НЕЛЛИ УВАРОВА: В этом году я участвовала в съёмках комедийного сериала «В активном поиске», альманаха о любви «8 способов любить». Отснят второй сезон сериала «Последний министр» - скоро выйдет на онлайн-платформах. Также не из новинок хочу отметить сериал «Спутники» - военная драма по роману Веры Пановой. - Социальный проект «Наивно? Очень» выдержал непростой период пандемии – интернет-магазин и магазин в Artplay продолжают успешно работать. Несколько слов о перспективах развития проекта (например, в регионах) и галерее наивного искусства? НЕЛЛИ УВАРОВА: В мастерской Artplay этим летом, 26 июня, открылась галерея наивного искусства, где располагается постоянная экспозиция – мы всех приглашаем в гости. В рамках проекта «Наивно? Очень» также состоялась презентация спектакля под названием «Интернат» по тексту журналиста Елены Костюченко. Премьерный показ запланирован на сентябрь этого года. Что касается регионального развития, пока мы не можем взять столь большую ответственность, поскольку в силу общих обстоятельств пандемии бизнес развивается нестабильно. В рамках масштабирования проекта это очень сложный процесс с множеством внешних препятствий. Чтобы держаться на плаву в Москве, мы лавируем между сложными проблемами. На мой взгляд, очень важная цель - предоставить возможность талантливым людям работать, и ради этой цели мы и работаем. На данном этапе я могу говорить только о развитии проекта в столице – как только мы выйдем на платформу стабильности и увеличим объёмы производства, возрастёт и число сотрудников. - Ваши творческие планы на вторую половину года (запланированы ли творческие встречи, мастер-классы и др.)? Кратко о новых интересных предложениях. АЛЕКСАНДР ГРИШИН: Сейчас я снимаюсь в продолжении нашумевшего сериала «Паромщица» - мы придумали вместе с режиссёром интересного нового персонажа, совершенно не мой образ. Надеюсь, что зрители оценят эту работу. В августе и сентябре у меня режиссёрская премьера – «Рассказы Шукшина». В октябре я также хочу завершить дипломную работу как педагог ГИТИСа в мастерской Алексея Анатольевича Блохина, моего бывшего учителя, педагога по актёрскому мастерству. Больше полугода мы репетируем спектакль по книге Сюзанны Кейсен «Прерванная жизнь». В следующем сезоне должна осуществиться и моя детская мечта – я буду играть пирата Джона Сильвера в «Острове сокровищ». Будет и 100-летие театра РАМТ в сентябре, в котором я также буду принимать участие. НЕЛЛИ УВАРОВА: Очень много событий запланировано в рамках проекта «Наивно? Очень» - открытие галереи, мастер-классы. Предложения играть в театральных спектаклях пока не могу оглашать. - Расскажите, пожалуйста, о ваших личных арт-увлечениях (пробовали ли вы рисовать, ваши любимые художники, интересные арт-мероприятия и выставки в вашей жизни)? А ваши дети любят рисовать? НЕЛЛИ УВАРОВА: Да, дети очень любят рисовать. Моя дочь Ия занимается в музыкальной школе, поёт, играет на скрипке, также увлекается рисованием. Сын Игнат очень уверенно держит фломастер, карандаш, научился держать в руке и кисточку. Я вижу у него не только интерес к рисованию, но и талант - в основном, он рисует фигуры, а дальше фантазирует на рисованных персонажах, за этим любопытно наблюдать. Мой 11-летний племянник фантастически рисует, я его настоящая поклонница. У меня и сестра художница, но на стенах их дома в основном висят картины племянника: графика, фигуры в объёме. Меня с детства окружали художники. Сестра - дизайнер одежды, тоже рисует, она прониклась интересом к рисованию вслед за моим дядей-архитектором и художником. Когда я была маленькая, я очень любила приходить к нему в гости – в их доме было очень много репродукций известных художников. Сама я не рисовала, но любила разглядывать эти картины и художественные альбомы. Возможно, я увлеклась наивным искусством под влиянием работ Нико Пиросмани – с детства я рассматривала его яркие, образные картины и фантазировала, придумывала характеры героям картин и истории о них. Картины всегда толкали меня на сочинение какой-то истории. АЛЕКСАНДР ГРИШИН: С дочерью мы всегда что-нибудь рисуем вместе. В «Склифе-8» я играл персонажа, работающего в сфере медицины катастроф. Для школьного задания я помог Ие подготовить рисунок по этой профессии. Я и дети тоже рисуем неплохо. Я не рисую, к сожалению, красками – может быть когда-нибудь и к этому приду. Рисовать фломастерами, карандашами – это я люблю. - Отпуск актёра в этом году: если планируется, где собираетесь отдохнуть? НЕЛЛИ УВАРОВА: Скорее всего, этим летом будет микс работы и отдыха – когда-то получалось выбирать между ними, а сейчас всё зависит в большей степени от работы. Хотя обычно мы можем семьёй собраться в один день и спонтанно рвануть куда-нибудь. - Ваше отношение к творческим конкурсам – участвовали ли вы когда-нибудь в них? Что думаете о конкурсе «Рисуем вместе с Комус» как председатель конкурсного жюри? Что ожидаете от работ и ваши пожелания участникам? АЛЕКСАНДР ГРИШИН: Конкурсы не должны убивать желание творческого порыва, особенно у детей. Может быть у человека не получается что-то реализовать сейчас, но впоследствии он может раскрыться – как артисты: некоторые сразу проходят смотр или кастинг, другие пробуют несколько раз, а кто-то открывается уже в процессе обучения. В творчестве нет победителей и проигравших и не может быть первого, второго и третьего места. Артисты, художники, музыканты – как гладиаторы, им платят чарующими звуками аплодисментов. Поэтому любой конкурс – это, в первую очередь, возможность проявить себя. Пожелания очень простые – если ты этим живёшь, дышишь, твори несмотря ни на что. Потому что творчеству всегда найдётся место в жизни, что бы ни творилось в нашем мире. НЕЛЛИ УВАРОВА: Я сама много участвовала в творческих конкурсах - и раньше, и сейчас, больше в роли конкурсанта, чем в роли жюри. Участие в конкурсе очень важно - это стимулирует, появляется желание не только выиграть, но и разделить чувство соревнования. Конкурсы дают энергию идти дальше. Выбирать работы всегда сложно, практически невозможно, для меня сделать выбор очень волнительно и ответственно, ведь это означает прикоснуться к миру, созданному кем-то. Желаю всем участникам от души показать себя, ничего не бояться, ни на кого не ориентироваться, быть собой максимально и с лёгким сердцем и мыслью «будь что будет» отправить свою работу на конкурс. Как творческий человек могу сказать, что процесс участия и ожидание оценки жюри конкурса зачастую более важны, чем результат. И, конечно же, желаю всем верить в победу и победить.
Подробнее
КЕРАМИКА, СКУЛЬПТУРА И ГРАФИКА
В подвальном помещении путевого дворца Василия III, который расположен у входа в сад им. Баумана на Басманной улице, 15, с прошлого года представлена коллекция работ многогранных мастеров прошлого века, реформаторов современного искусства - Пабло Пикассо и Сальвадора Дали. Это собрание частного фонда «Искусство наций» насчитывает более 250 работ - керамика, скульптура и графика, которые уже побывали в гостях в 11 странах. И если живописные работы раннего Пикассо ещё можно встретить в столичных музеях, то увидеть Сальвадора Дали - большая редкость, особенно в скульптуре и керамике. Первые залы выставки открываются страницей Пикассо, где сразу узнаём любимые сюжеты автора - пикадоры, быки и птицы на декоративных тарелках и кувшинах. «Пикадор», «Всадник», «Бык, выходящий из листьев», просто «Бык» и, наконец, все вместе - «Пикадор и бык» на арене корриды. Птицы часто вдохновляли Пабло Пикассо и в керамике – на выставке можно встретить и знаменитого голубя, сову на декоративном блюде или маленький кувшин-сову, «Птичку с червяком» и даже кузнечика. Привлекают внимание несколько портретов козы Эсмеральды, а также «Рыба в руках». На выставке посетители увидят и другие остроумные сюжетные росписи на глиняных керамических блюдах, антропоморфных кувшинах, вазах и керамических панно, выполненных в стиле древнегреческой архаики или совсем в минималистском стиле в несколько мазков кисти на чёрной глазури. К изделиям из керамики, созданным Пикассо, названия «блюдо» или «кувшин» можно применять только в декоративном смысле как поверхность для фантазий художника – они не предназначены для утилитарного использования. Следует отметить, что Пикассо не пользовался гончарным кругом, поэтому плавные формы его керамики больше напоминают скульптурные работы, где автора часто интересует просто сама фактура обожжённой глины, порой даже не покрытой глазурью. Все представленные керамические работы вышли из мастерской фабрики «Мадура», расположенной во французском городке Валлорис, где Пабло Пикассо увлёкся гончарным делом, самостоятельно занимался керамическим производством и создал тысячи прекрасных керамических работ на протяжении 1947-1971 годов. Коллекция является частью этого наследия и приобретена на аукционе Christie’s в 2012 году. Керамика на выставке удачно переплетена с яркими графическими работами художника. В графике представлена большая серия портретных работ, порой очень добрых и забавных персонажей, выполненных водяными красками на бумаге цвета сероватой охры. Особо выделяются четыре литографии с мощной динамикой движения, выставленные вместе - две мифические вакханалии и два сюжета из корриды – «Пикадор» и «Удар». Великолепное искусство Пабло Пикассо всегда узнаваемо и надолго запомнится посетителям. Чтобы попасть в залы великого сюрреалиста Сальвадора Дали, нужно пройти через выставку золотых артефактов древних индейцев Южной Америки - «Эльдорадо. Сокровища индейцев». Метафизический мир фантазий художника просто ошеломляет - можно долго вглядываться в каждую из графических работ многочисленных серий мастера или удивляться скульптурам малых форм, узнавая бронзовые создания, словно материализованные и сошедшие со знаменитых живописных полотен. Керамические работы сверкают яркими красками и фантастическими сюжетами, в которых часто встречаем любимые автором гениальные находки, вошедшие в классику сюрреализма. Открывают выставку шесть керамических тарелок из серии «Завоевание космоса», где «Бабочки Антиматерии» и «Завоеватель последней неоткрытой планеты» сразу напоминают нам запоминающиеся мягкие формы с опорами, которыми Дали наполнял свои картины еще в 30-е годы прошлого столетия (например, «Загадка Вильгельма Телля»). Великолепны и необычны фарфоровые тарелки серии «Игра в карты от Сальвадора Дали», выпущенной французской фирмой «Рене-Лимож» в 1967 году ограниченным тиражом. Пять экземпляров этой серии выставлены справа от серии «Завоевание Космоса». На выставке есть раритетные изразцы - керамическая плитка с узорами Сальвадора Дали, которая была изготовлена на испанской фабрике El Siglo в 1954 году. Серия «La Suite Catalane» состоит из шести плиток размером 20х20 см, дизайн которых навеян традиционными каталонскими узорами. Стоит отметить оригинальную серию «Flor Dali Les Fruits» - одноимённая серия литографий, воплощённых Дали также и в керамике. На выставке представлены три работы этой серии: «Эротический грейпфрут», «Фрукты с дырами» и «Груша Дон Кихота». Представлено и много бронзовых скульптур Сальвадора Дали. В бронзе отлиты почти все его самые потрясающие сюрреалистические фигуры и формы – мягкие часы, слоны и носороги на тоненьких ножках, фигуры с выдвижными ящиками и прочие фантастические мотивы, сошедшие с его картин в бронзовые скульптуры и малые скульптурные формы. Однако художник изготавливал свои скульптуры в воске или гипсе, а затем их копировали в бронзу. «Это я, Дали» - говорит «Космический носорог или почтение А. Дюреру», тяжеловесный носорог, парадоксально устойчивый на тонюсеньких ножках насекомого, несущий ажурную пирамиду как дар преклонения утончённому мастерству великого графика. Стиль автора можно увидеть и в «Космическом слоне», который явился Дали в 1946 году, когда он работал над знаменитой картиной «Искушение святого Антония». И, конечно, Дали - это впечатляющие вариации текущих часов неумолимого времени, аллегорическая «Лошадь, осёдланная временем», пытающаяся вырваться из необратимого временного пространства на жизненном пути. Если со ставшими уже сюрреалистической классикой объектами встречаемся как со старыми друзьями, то бронзовые плиты в деревянных рамах неожиданно удивляют оригинальными композициями (например, «Чёрный всадник» или «Алиса с цветами в Зазеркалье»). В редкой коллекции малых скульптурных форм можно увидеть метаморфозы сознания мастера, мистические аллегории и фигуры. Занятны и эпатажные композиции, например, антикварный «Телефон-лобстер». Большое количество графических листов различных серий Сальвадора Дали на стенах выставочного зала сопровождают скульптурные работы. «50 лет сюрреализма», «Амур и Кассандра», «Божественная комедия», «На стихи Аполлинера», «Японские сказки», «Человеческие пороки» и другие представляют многогранность таланта непревзойдённого художника. Успеть попытаться интерпретировать замыслы и фантазии художников можно до 25 июля, билеты продаются на официальном сайте выставки онлайн. Дополнительно в стоимость билета входит посещение экспозиции «Эльдорадо. Сокровища индейцев», включающей произведения искусства и религиозные артефакты десяти государств Северной и Южной Америки.
Подробнее
ПЕРЕХОДИМ НА ЦИФРУ
В наше время многие художники обращаются к цифровой живописи – создание рисунков и иллюстраций в цифровом виде на планшете или компьютере с помощью специального программного обеспечения. Чем вызван переход от красок и кистей к цифровому формату? Во-первых, цифровая живопись обходится гораздо дешевле по затратам на материалы для творческого процесса. Во-вторых, программное обеспечение планшетов и компьютеров работает намного быстрее и способно обрабатывать быстрые движения кисти на экране, новые приложения имеют высокую чувствительность к касанию стилоса (специальный карандаш) на дисплее и легко обрабатывают большие графические файлы. Для рисования появилась возможность использовать цифровые слои, чтобы сэкономить время на создание цифрового рисунка – вы можете изменять слои, удалять их и пробовать снова. Этого не добиться с помощью традиционных инструментов для живописи. Помимо экономии ресурсов на расходные материалы, цифровая живопись не требует специальной студии или комнаты для рисования, а готовые цифровые картины можно распечатать в высоком разрешении и также выставлять среди произведений современного искусства. Но даже в цифровом формате способы рисования и конечный результат могут отличаться. Некоторые художники сосредотачиваются на создании иллюстраций и развивают собственный стиль в данном направлении, другие экспериментируют с концепт-артом, генерируя первичные идеи и визуальные эффекты дизайна в виде набросков для дальнейшего воплощения 3D-художниками, дизайнерами компьютерных игр и аниматорами. Кроме того, в цифровой живописи существует популярное и востребованное направление «vis dev art» (сокращённое от англ. visual development artist - или художник визуальных разработок), ориентированное на анимацию. Цифровые иллюстрации широко используются для книжных обложек, постеров к новым фильмам, для рекламы, в веб-комиксах, компьютерных играх, для баннеров сайтов. Не существует правильного или неправильного способа рисовать в цифровом виде. Начиная от веб-комиксов до дизайна персонажей - всё можно нарисовать в цифровом виде при наличии всего двух элементов: планшета для рисования и установленного программного обеспечения. Графический планшет для рисования - это, по сути, единственный инструмент, который нужен цифровому художнику. Планшеты подключается к компьютеру и позволяют рисовать при помощи стилуса на поверхности дисплея – каждая линия при движении вашей руки записывается на компьютер в режиме реального времени. Все изображения создаются в виде 2D-графики. Концепт-художники также могут объединять фотографии или 3D-модели в свои 2D-картины. Это называется фотобашингом - на сегодня один из самых популярных приёмов у цифровых художников. Среди разнообразия компьютерного программного обеспечения цифровые художники предпочитают Photoshop, поскольку он является основным продуктом отрасли. Но есть и бесплатные альтернативы (например, Krita), которые подходят для работы с цифровой живописью. Если вы рисуете много лет, то вам скорее всего понадобится всего пара недель, чтобы научиться хорошо работать в цифровом формате. Большинство цифровых художников имеют просто базовые знания о рисовании. Даже дети могут обучиться цифровой живописи и в будущем стать профессиональным концепт-художником в игровой индустрии или индустрии анимации. С каждым арт-проектом в цифровой живописи можно работать по-разному. Некоторым художникам нравится использовать много слоёв в своей работе, другие используют только один, одни предпочитают много разных кистей в программе, в то время как другие применяют лишь несколько. Когда-то художники не могли работать без целого набора принадлежностей для рисования. Цифровые технологии предоставили творческим личностям свободу от красок, холстов, кистей и мольбертов. Есть два основных типа планшетов для цифровой живописи: с дисплеем и без. На планшетах с дисплеем вы рисуете прямо на дисплее. Планшеты без дисплея - это более «традиционные» планшеты для рисования, где вы рисуете на специальной поверхности, наблюдая результат на мониторе компьютера. Штрихи записываются на планшете и обрабатываются установленным программным обеспечением. Новичкам для пробы пера следует начать с планшетов без дисплея, потому что они дешевле по стоимости. Некоторые общие критерии, на которые стоит обратить внимание перед приобретением основного инструмента цифровой живописи: Простая настройка и удобство использования Отсутствие вибрации поверхности во время рисования Возможность установки современного программного обеспечения На качество и функциональность графических планшетов влияет множество факторов. Одни из главных – это: - Чувствительность к давлению руки: от 300 до 3000 уровней чувствительности к нажатию. Проще говоря, чем сильнее вы нажимаете на стилус, тем выше определяется уровень давления и тем толще линия. Преимущество использования большего числа уровней давления позволяет видеть тонкие различия в толщине линий, что важно при работе с изображениями высокого разрешения. Новичкам следует искать планшет, который имеет не менее 1024 уровней давления. - Размер активной области: большая активная область позволит вам легче работать с большими изображениями без необходимости масштабирования. При проверке характеристик планшета убедитесь, что вы не путаете размер активной области с общим размером планшета. Общий размер включает также прилегающую территорию и корпус планшета. - Разрешение: под разрешением подразумевается количество строк на дюйм (LPI) на дисплее планшета и их количество, создаваемое с помощью стилуса. Чем выше LPI, тем больше деталей вы можете добавить в свой рисунок. - Скорость отклика/ответа: скорость отображения рисуемых вами линий на мониторе компьютера. В этом параметре всё зависит от драйверов планшета и характеристик вашего компьютера. - Тип стилуса: графические планшеты поставляются с одним из трёх типов стилусов - с батарейным питанием, перезаряжаемые или стилусы EMR. Стилусы с батарейным питанием обычно толще - в них можно разместить батарею, из-за чего они кажутся слишком большими для маленькой руки. Перезаряжаемые стилусы нуждаются в подзарядке, как смартфон или ноутбук, обычно они тоньше и удобно лежат в руке. Стилусы EMR используют инновационную электромагнитную частоту, которая передаёт питание на перо по беспроводной сети прямо с планшета, поэтому заряжать его не нужно. - Аккумулятор: если вы собираетесь путешествовать с планшетом для рисования, убедитесь, что время его автономной работы не менее 3-4 часов. Срок службы батареи зависит от нескольких факторов, включая способ использования планшета, возраст батареи и даже погодные условия на улице. Если вы новичок и не имеете опыта работы с цифровыми технологиями, вам подойдут графические планшеты Wacom, которые используются профессионалами во всём мире и подходят для знакомства с миром цифрового изображения. Если вам нужен планшет, который прослужит 5-6 лет, а то и более, лучшим решением будет покупка более дорогого представителя бренда с разнообразием функций и возможностей. Портативные планшеты меньшего размера легче носить с собой и рисовать на них в цифровом виде с использованием ноутбука в поездках. Некоторые планшеты меньшего размера могут питаться от USB, другим требуется розетка сети. Проще использовать планшеты с дисплеем, потому что вам не нужно переключать внимание между экраном планшета и монитором компьютера. Прямо на дисплее вы можете рисовать так же, как карандашом на бумаге. Планшеты без дисплея подключаются к экрану компьютера через USB-кабель и по стоимости значительно дешевле аналогов с дисплеем. Цифровая живопись – будущее, которое стремительно входит в нашу повседневную жизнь. Например, веб-комиксы намного популярнее, чем печатные, не говоря уже о широком применении цифровых иллюстраций в индустрии компьютерных игр и рекламы.
Подробнее
Креативность и творчество
Учёные доказали, что рисование, лепка, каллиграфия требуют сложных жестов и движений. Эти виды творчества одновременно запускают сенсорные, двигательные и когнитивные импульсы. Процесс затягивает и является отличной арт-терапией не только для детей, но и для взрослых. В этой статье мы расскажем о самых простых, но необходимых предметах для творчества Faber-Castell. Бренд знает всё о качестве и удобстве изделий для рисования и раскрашивания. В процессе творчества у ребёнка развивается способность и стремление к созиданию. Благодаря природным цветам фломастеров Faber-Castell серий «Замок» и Grip вырабатывается правильное цветовосприятие окружающего мира. Рисование формирует зачатки креативности, дети учатся мыслить творчески, а не предложенными шаблонами. Они могут применять свою логику, полученную в процессе работы, а не ту, которую почерпнули из книг или объяснений взрослых. Это очень важно! Для художников помладше у бренда есть фломастеры серии Сonnector. В набор входят 33 фломастера, 10 клипов для соединения фломастеров и 2 картинки для разукрашивания. Аксессуары добавят в кропотливую работу элементы игры: их можно соединять между собой, создавая разные комбинации цветов. Набор позволяет развивать фантазию ребёнка, предоставляя ему неограниченные возможности для творчества. Фломастеры смываются с большинства тканей, что станет приятным бонусом для родителей. Рисование развивает мелкую моторику, укрепляет руку ребёнка, формирует пространственное мышление, поэтому оно обязательно должно предшествовать письму. Педагогами замечено, что дети, которые много рисовали, лучше постигают законы окружающего мира, быстрее осваивают азы геометрии. Юные художники «рисуют головой, а не руками» – говорят современные психологи, потому что при выполнении тонкой работы у малышей развивается мозг, совершенствуется память, развивается образное мышление, воспитывается тонкий вкус. Чтобы уметь рисовать, ребёнку необходимо научиться сравнивать, рассуждать, чувствовать, а эти качества необходимы всем людям, и желательно развивать их с детского возраста. На помощь в такой непростой задаче придут цветные карандаши Faber-Castell из серий «Замок» и Grip — наборы с разными текстурами. Карандаши серии «Замок» выполнены в шестигранном корпусе из прочного дерева. Малыши с большим удовольствием изучают мир, стремясь дойти до самой сути предметов, ломая и кидая их. Поэтому не менее важным для родителей станет то, что, благодаря специальной технологии крепления грифеля, он не ломается при падении и затачивании. Акварельные карандаши серии Grip можно использовать обычным способом, а также с помощью данных изделий можно получить акварельный эффект. Для начинающего художника знакомство с ними станет открытием и позволит детально изучить мир рисования. Самое важное, ради чего стоит учить ребёнка рисовать — гармонизация внутреннего состояния. Через рисунок можно откорректировать эмоции, привести себя в равновесие. Конечно, терапевтический эффект не зависит напрямую от умения рисовать. Но! Если человек не рисовал в детстве, во взрослом возрасте ему уже мешает установка, барьер «я не умею рисовать». Способность лечить себя через творчество, которой интуитивно владеет каждый маленький ребёнок, с возрастом утрачивается. Часто родители опасаются, что ребёнок испачкает одежду и руки, увлёкшись процессом. Однако в линейке творческих принадлежностей торговой марки Faber-Castell есть решение этой проблемы: сухая пастель. Она отлично рисует на разных поверхностях, не крошится и не оставляет следов на руках. Такая пастель подходят для детских садов и школ. Дети — отражение нашей заботы о них. Проводя больше времени с ними в детстве, мы передаём самое лучшее из собранного в своём опыте. Рисуя с ребёнком, можно не только познакомить его с разными текстурами, цветами и техниками, но и заглянуть во внутренний мир и понять своё чадо. Творческие принадлежности Faber-Castell станут надёжными друзьями и помощниками в изучении искусства создания красивых и ярких воспоминаний о совместном времяпрепровождении. Кроме того, у Faber-Castell есть профессиональная линейка товаров, которая признана мастерами своего дела. Такая продукция подойдет не только для детей, но и для взрослых профессиональных работ. Представляем Вам три самых востребованных товара, которые доказали свою эффективность и качество. Набор профессиональных художественных чернографитных письменных принадлежностей Pitt Graphite от легендарного немецкого производителя. Состоит из 2 чернографитных карандашей Castell 9000 твердостью 2B и 8B, 2 чернографитных карандашей в утолщенном корпусе Castell 9000 Jumbo твердостью 2B и 8B, 2 акварельных чернографитных карандашей Graphite Aquarelle твердостью 2B и 8B, 2 карандашей Pitt Graphite Pure твердостью 3B и 6B, чернографитного мелка Pitt Graphite crayon твердостью 6B, ластика и точилки. Брашпены Pitt Artist Pen Brush имеют в своем составе пигментированные и светостойкие чернила, которые идеально подходят для создания рисунков, макетов, дизайна одежды и иллюстраций. Кнопочный механизм у изделий отсутствует, однако есть пластиковый прочный колпачок. Так стержень будет защищён от поломки, а личные вещи не испачкаются о чернила. Чернила в наборе не имеют запаха и рН нейтральны. Гибкий пишущий узел в виде кисти сохраняет форму даже после длительного использования. Набор состоит из 12 ручек разных цветов (кадмиевый желтый, темно-синий, зеленая листва, оранжевая глазурь, светло-красная герань, пурпурно-розовый средний, пурпурно-фиолетовый, лазурный, красно-корчневый, черный, холодный серый III, темно-зеленый) в студийной коробке, удобной для хранения и транспортировки. Цветные пигменты обладают высокой светостойкостью. Набор цветных карандашей шестигранной формы серии «Замок» в удобном металлическом кейсе-пенале от Faber-Castell. Карандаши выполнены в шестигранном корпусе из высококачественной древесины. Грифель карандашей состоит из исключительного качества пигментов ярких оттенков. Мягкость грифеля обеспечивает легкое скольжение и комфортное рисование на бумаге любого типа. Благодаря специальной технологии крепления грифеля (SV), грифель не ломается при падении и затачивании. Карандаши покрыты лаком на водной основе, бережным по отношению к окружающей среде и здоровью детей. Карандаши Faber-Castell имеют международные сертификаты FSC и EN 71, гарантирующие экологичность и безопасность использования детьми. Совместно с Faber-Castell мы объявляем конкурс! Разыгрываем 3 этих шикарных наборов для творчества: Призы могут стать вашими, сделайте всего 3 простых шага: Для участия необходимо подписаться в Instagram на аккаунты @risuemvmesteskomus, @fabercastell_russia и оставить любой комментарий под постом про конкурс. Старт конкурса – 12 июля. Срок проведения конкурса - 3 недели. Победителя определим случайным образом с помощью рандомайзера среди всех подписчиков, которые выполнили условия конкурса. Подробности конкурса – в официальном Instagram! Призы Набор из 11 профессиональных чернографитных карандашей в комплекте с ластиком и точилкой Набор из 12 светостойких брашпенов Pitt Artist Pen Brush Набор из 24 цветных карандашей серии «Замок» в удобном металлическом кейсе-пенале.
Подробнее
И СНОВА ОНЛАЙН
На культурную и социальную жизнь столицы и других городов так или иначе повлияли непредвиденные ограничения, связанные с вирусной пандемией COVID-19. Прошлый год можно назвать годом виртуальных мероприятий практически во всех сферах, хотя онлайн-формат по-прежнему остаётся непривычным в развлекательной и event-индустрии. Для организаторов тех или иных мероприятий меры социального дистанцирования стали своеобразным вызовом, ведь в виртуальном взаимодействии как никогда важно сохранять интерес аудитории. Конечно, онлайн не сравнится с впечатлениями от посещения концерта, спектакля или выставки «вживую». Однако в новых условиях выход в сеть – это отличная возможность, не покидая дом и не затрачивая дополнительное время на планирование поездки и дорогу, узнать что-то новое и быть в курсе основных культурных событий, где бы вы ни находились. Кроме того, онлайн-мероприятия как правило, стоят гораздо дешевле, а зачастую и вовсе бесплатные. Столичные учреждения ещё с прошлого года адаптировались к ситуации и до сих пор поддерживают традицию разнообразных онлайн-предложений, от экскурсий по музеям столицы в обзоре 360 градусов до прямых трансляций концертов. МОСКОВСКИЙ ПЛАНЕТАРИЙ ОНЛАЙН Широкие возможности интерактивного посещения предлагает Московский планетарий. Кроме онлайн-экскурсий с профессиональным гидом, на которых можно познакомиться с историей планетария и экспозициями музея, в свободном доступе также несколько онлайн-лекций о космосе для пользователей всех возрастов, атмосферное тематическое концертное выступление Dreams Beat, первая онлайн-фотовыставка, посвящённая 60-летию первого полёта человека в космическое пространство, курс познавательных виртуальных занятий для школьников «Онлайн-путешествие со звездочётом». Перед уходом не забудьте скачать космические обои планетария. СПЕЦПРОЕКТ МУЗЕЯ-ЗАПОВЕДНИКА «ЦАРИЦЫНО» Музей-заповедник «Царицыно» на своём официальном сайте предлагает познакомиться с онлайн-версией выставочного проекта «Роман готического вкуса», созданного музеем в партнёрстве с искусствоведом, знатоком русской готики Сергей Хачатуровым. Другие экскурсии, лекции и серии разнообразных мастер-классов для взрослых и детей доступны на youtube-канале музея. ИНТЕРНЕТ-ЭКСПОЗИЦИИ ПУШКИНСКОГО МУЗЕЯ Посетить один из главных музеев столицы можно виртуально – цикл онлайн-экспозиций включает как «прогулки» по основным залам и филиалам, так и виртуальные туры по новым выставкам. Кроме того, на базе сайта музея открыт и платный виртуальный лекторий, где можно заказать индивидуальную лекцию и экскурсию на интересующую тему. СОКРОВИЩНИЦЫ МУЗЕЕВ МОСКОВСКОГО КРЕМЛЯ – ВИРТУАЛЬНО Увидеть собрание экспонатов музеев Московского кремля также возможно при посещении раздела виртуальных выставок: посетителям откроется настоящая сокровищница, включающая уникальные коллекции костюмов и церемониальных драгоценностей российских царей и императоров, дары государям, знаменитые произведения Карла Фаберже, коллекции старинных экипажей, оружия, посуды, художественного стекла и многое другое. На сайте музея также можно записаться на интерактивные занятия детского образовательного центра и онлайн-лекции для взрослых от ведущих искусствоведов центра. ТРЕТЬЯКОВКА ОНЛАЙН На youtube-канале Третьяковской галереи регулярно пополняется коллекция видеолекций и онлайн-дискуссий по искусству, концертов камерной музыки, экскурсий, читки сказок под музыкальное сопровождение, обзоров выставок музея. ВИРТУАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ МУЗЕЯ ВОСТОКА Государственный Музей востока открывает посетителям несколько виртуальных выставок, посвящённых искусству Средней Азии, Африки, Южной Кореи, Кавказа – разнообразные виртуальные туры открыты всем желающим на сайте музея. ПЕРВАЯ В РОССИИ МЕЖДУНАРОДНАЯ ОНЛАЙН ВЫСТАВКА-КОНКУРС #ЭНКАУСТИКАCЕГОДНЯ В онлайн-галерее победителей первого конкурса работ, выполненных в технологии энкаустической живописи, представлены более 80 современных авторов из России, Австрии, Германии, Франции, Мексики, Польши, США, Испании, Канады, Японии и других стран. В экспозицию входят абстрактная и реалистическая живопись, иконы, скульптуры, панно, инсталляции, коллажи, созданные в техниках с использованием воска. ПРЯМЫЕ ТРАНСЛЯЦИИ И ЗАПИСИ КОНЦЕРТОВ МОСКОВСКОЙ ФИЛАРМОНИИ Московская государственная академическая филармония позволяет подключиться к прямым трансляциям концертов классической и не только музыки и посмотреть уже состоявшиеся концерты в зале им. П.И. Чайковского, Большом зале консерватории, концертом зале им. С.В. Рахманинова, Камерном зале филармонии. МЕМОРИАЛЬНЫЙ МУЗЕЙ А.Н. СКРЯБИНА Мемориальный музей А.Н. Скрябина предлагает посмотреть выпуск избранных трансляций концертов, которые музей проводил в течение года. Подборка доступна в социальных сетях «ВКонтакте» и «Фейсбук», а также на YouTube-канале музея. Кроме того, в рамках проекта «Музей онлайн» доступны виртуальные экскурсии о живописи в мемориальной квартире Александра Николаевича Скрябина. БЕСПЛАТНЫЙ ТЕСТ-ДРАЙВ МЕЖДУНАРОДНОЙ ШКОЛЫ ДИЗАЙНА 8 июля Международная школа дизайна (IDS) предлагает бесплатный тест-драйв в онлайн-формате для тех, кто только думает освоить профессию дизайнера или уже делает первые шаги в этом направлении. Подготовьте заранее бумагу, клей-карандаш, ножницы и интерьерные журналы - практические занятия от ведущих преподавателей IDS позволят погрузиться в атмосферу творчества. РОК-КОНЦЕРТ «БИ-2» В ОНЛАЙН-ФОРМАТЕ Стать участником записи трансляции масштабного концерта рок-группы «Би-2», который прошёл 27 июня на московском стадионе «Лужники» без зрителей и при участии спецгостей, группы Little Big, можно на онлайн-сервисе Okko. Из-за ухудшения эпидемиологической ситуации в Москве шоу музыкантов под названием «Сверим сердца» вновь отложено, на этот раз на 12 сентября. А пока поклонники могут посмотреть июньский концерт группы по подписке на онлайн-платформе. УРБАНИСТИЧЕСКИЙ ОНЛАЙН-ФЕСТИВАЛЬ MOSCOW URBAN FEST Крупнейший урбанистический фестиваль и форум Moscow Urban FEST-2021, который стартует 1 июля, проведут в дистанционном формате – в программе live-трансляции лекций известных спикеров, дискуссии и круглые столы в концертном зале «Зарядье». Основная и как никогда актуальная тема фестиваля при участии дизайнеров, учёных, архитекторов, блогеров - жизнь современного города в новой эре. Все мероприятия можно посмотреть бесплатно по предварительной регистрации на сайте организатора.
Подробнее
КАК РЕСТАВРАТОРЫ ВОЗВРАЩАЮТ К ЖИЗНИ МИРОВЫЕ ШЕДЕВРЫ
Искусство - самая увлекательная сфера деятельности человека. Творческие личности объединяют любовь к культуре и желание поделиться своими знаниями и художественным опытом с окружающими. В каждой галерее, в каждом музее, над каждой выставкой работает команда преданных своему делу людей, которые открывают для всех удивительный и прекрасный мир искусства. Одни из таких профессионалов – реставраторы, люди, которые помогают восстанавливать и сохранять произведения искусства, чтобы их красота не была утрачена. Работа реставратора так же разнообразна, как и само искусство. История реставрации насчитывает столетия, а её миссия остаётся неизменной – обеспечить сохранность произведений искусства. Знаменитые фрески Сикстинской капеллы Микеланджело были впервые отреставрированы ещё в 16 веке из-за повреждений, нанесённых водой. В 2015 году двенадцатилетний мальчик потерял равновесие и нечаянно прорвал дыру в картине итальянского художника Паоло Порпора «Цветы», написанной маслом в стиле барокко и стоимостью в 1,5 миллиона долларов. Знаменитая работа Рембрандта «Ночной дозор», представленная в Государственном музее Амстердама, была трижды умышленно подвергнута вандализму. Дважды спасённая фреска «Воскресение» (1465 г.) Пьеро делла Франческа и роспись «Тайная вечеря» (1546 г.) Леонардо также подвергались разрушительному воздействию влажной среды и были спасены реставраторами. Таких примеров в мировом искусстве множество. Современные достижения в области реставрационных технологий привели к разработке безопасных и эффективных подходов к сохранению и восстановлению повреждённых работ. Доброкачественности исполнения и прочности произведений искусства в старину придавалось большое значение, поэтому дошедшие до нас шедевры имеют хорошую сохранность даже спустя сотни лет. Так, живописцы прошлого изучали свойства применяемых материалов, сами изготавливали их и проверяли на практике. Они тщательно перетирали красящие вещества со связующими маслами, приготовляли лаки и составляли грунтовые составы для различных основ (например, для холста или дерева). Вот пример одного из рецептов приготовления масла для красок от самого Леонардо да Винчи: грецкие орехи очищались от скорлупы, замачивались в воде для снятия кожицы и после промывки перемешивались до образования однородной массы белого цвета, которая выставлялась на солнце. Всплывшее ореховое масло собиралось, отжималось и снова надолго выставлялось в сосудах на солнце для отбеливания и уплотнения. Современные художники не могут пользоваться красками древних по очевидным причинам - их состав утрачен и не поддаётся анализу, да и техника живописи сейчас иная. Однако с того времени, когда материалы для живописи или скульптуры стали производиться на фабриках и когда появилась возможность приобрести их, отпала необходимость вникать в их свойства. И если качество изготавливаемых художественных материалов непрерывно улучшается, то слабые знания технологий их применения часто создают проблемы, особенно начинающим. Поэтому без знаний свойств применяемых техник нельзя быть уверенным, что созданные в наше время произведения искусства просуществуют долго без изменений даже при использовании высококачественных материалов. Такими знаниями обладают современные реставраторы, которые восстанавливают повреждённые временем произведения искусства. Давайте заглянем в их мастерскую и познакомимся с принципами их работы. Если на произведении мастера появляются признаки старения или повреждения, перед реставраторами стоит непростая задача устранить их и сохранить первоначальный вид картины, антикварной мебели, скульптуры. Существует множество различных видов художественной реставрации, охватывающих широкий спектр культурных объектов, от живописи до архитектуры. Вот несколько задач реставратора: - устранение внешних повреждений: например, устранение волнообразных складок на холсте или его провисание. В таком случае картину помещают на время в помещение с нормальной температурой и влажностью, и, если деформации не устраняются, то осторожно, чтобы не повредить грунт и красочный слой, пробуют подбить клинки подрамника для перетяжки. Если есть гвозди, то их аккуратно вынимают, расправляют гофрированный участок холста и снова забивают гвозди. Иногда приходится применять температурное проглаживание складок быстрыми движениями. Это возможно только в случае прочного красочного слоя без трещин; - удаление влаги или плесени; - обновление цвета или деталей; - очистка от видимых загрязнений: загрязнённые участки очищают влажным тампоном из ваты, и место промывки сразу быстро вытирают сухим тампоном. Такая очистка возможна только при отсутствии трещин на красочном слое. Осторожно применяются специальные растворители, чтобы не повредить лак, которым покрыта картина. Если загрязнение расположено под слоем покровного лака, то лак необходимо удалить; - снятие лака: поверхность протирают ватой, пропитанной специальными смесями растворителей на скипидарной основе. В этой сложной операции необходимо постоянно следить за тем, чтобы не затронуть красочный слой, а при рельефной поверхности картины применяют даже специальные инструменты; - покрытие лаком: лакировка поверхности картины выполняется спустя год после полного высыхания красок; - восстановление первоначального вида: это самая ответственная работа, требующая не только научных знаний о художественных материалах и большого опыта реставрационных работ, но и знание самого искусства того времени, когда создавалось реставрируемое произведение. Для изучения основ реставрации и получения навыков необходимо закончить художественный колледж или училище. Как правило, начинающие художники-реставраторы обучаются на практике у более опытных реставраторов. В Москве действует несколько частных и государственных реставрационных мастерских, готовых оказать услуги и любителям, и профессионалам. Одна из старейших организаций - Всероссийский художественный научно-реставрационный центр имени Игоря Грабаря, основанный в начале прошлого века. Центр до сих пор готовит квалифицированные кадры в сфере реставрационных работ широкого диапазона, включая живопись, предметы прикладного искусства, скульптуру. Ещё одна крупная профессиональная организация с филиалами в нескольких городах страны – Союз реставраторов России, на базе которого действует центр профессиональной подготовки. Столичный Научно-исследовательский реставрационный центр также имеют многолетнюю историю сотрудничества с ведущими российскими музеями. Единственное высшее учебное заведение в России исключительно реставрационного профиля – это Институт искусства реставрации, специалисты и студенты которого принимают участие в проектах по реставрации объектов культурного наследия. Реставраторам часто приходится творчески подходить к своей работе, анализировать и оценивать степень повреждения, подробно изучить стиль того или иного мастера, определять лучший способ «реанимации» работы и степень риска ухудшения исходного качества, а также подбирать эффективные и безопасные для столь деликатного процесса материалы. На изучение методов воссоздания мельчайших фрагментов или деталей работы могут уйти годы. По мере того, как произведения искусства продолжают «стареть», реставрация остаётся жизненно важным инструментом для обеспечения их доступности широкой публике и поддержки долговечности самих художественных творений. Во многом от этих условий зависит и ценность работ для коллекционеров.
Подробнее
«ХУДОЖНИК – ТВОРЕЦ НОВЫХ ФОРМ В ЖИВОПИСИ».
В конце мая в залах Третьяковки на Крымском Валу открылась ретроспективная выставка художника Ивана Кудряшова (1896-1972 гг.), соратника Казимира Малевича и стойкого авангардиста прошлого века. Выставка приурочена к 125-летию со дня рождения всемирно известного мастера и впервые представляет его работы в исторической перспективе из собраний отечественных и зарубежных музеев и частных собраний. В революционные годы Иван Кудряшов активно включился в экспериментальные поиски новых форм беспредметной живописи и работал в художественных мастерских Казимира Малевича. Стране необходимо было создавать новую систему художественного образования, и в 1920 Иван Кудряшов, как и многие художники того времени, был командирован в Оренбург для организации отделения художественных мастерских. Казимир Малевич и Эль Лисицкий в это же время создают в Витебске художественное объединение «Утвердители Нового Искусства» (Уновис), филиал этого объединения в Оренбурге возглавил Иван Кудряшов. Вокруг художника сложился круг единомышленников, поддерживающий новаторские идеи в живописи. В 1921 году Кудряшов возвращается в Москву и продолжает смело экспериментировать с объемно-пространственными структурами и световыми эффектами, создавая невероятные космические композиции. Участвует во многих выставках и входит в различные художественные объединения (общество станковистов и др.), но в 1939 году был исключен из Московского союза художников за «формализм». В годы Великой Отечественной войны Иван Кудряшов был призван на фронт, тяжело ранен и получил инвалидность, а в послевоенные годы работал художником-оформителем. Единственная прижизненная небольшая выставка работ Ивана Кудряшова состоялась в Париже в 1970 году. Международный музейный проект работ Ивана Кудряшова в Третьяковской галерее – важнейшее событие художественной жизни столицы, настоящее открытие одного из самых удивительных художников плеяды мастеров русского авангарда. Уже на буклетах и плакатах к выставке звонким аккордом света и цвета встречает посетителя стремительная «Конструкция прямолинейного движения». Хочется как можно скорее рассмотреть этот шедевр цветовой гармонии - здесь только прямые линии и кристаллические формы, сверкающие гранями и уходящие по диагонали в тёмные глубины пространства. Чтобы избежать малейшего искривления строгих линий, холст натянут не на подрамник, а наклеен на твердый картон. Все элементы композиционно распределены в точно вывереннных направлениях и диагонально устремлены снизу вверх в едином строгом движении. Торжеством света воодушевляет эта картина всех входящих в зал, где представлены полотна и графические работы Ивана Кудряшова из серии «Конструкции прямолинейного движения». Если сравнивать эту работу с композицией 1923 года этой же серии, которая размещена рядом, свет на этой картине в таком же диагональном движении освобождается от тяжеловесных и неуклюжих плоскостей футуризма и устаревшего кубизма, уносится вверх и, достигнув границ картины, пытается вырваться за её рамки в неизведанные миры. Уже слышны победные фуги органа, но диагональ еще тяготеет к горизонтали прошлого, от которого полностью освобождена более поздняя работа, о которой мы говорили выше. Кудряшов даже вытянул формат картины по вертикали, чтобы усилить победный гимн нового. Нет сомнений, что художник экспериментировал со звуками в живописи и стремился дополнить свои картины музыкальным звучанием. В это же время художник параллельно работает над аналогичной серией «Конструкции криволинейного движения». Картины и графические работы этой серии тоже представлены на выставке. Они так же цветомузыкальны, так же стремительна динамика их круговых вращений и спиральных движений, и они тоже излучают яркую гармонию цвета и света. Не менее эффектны композиции, объединяющие прямолинейные и криволинейные движения, с которыми тоже можно встретиться на выставке. «Свет является главным формулирующим началом» - декларирует автор. Таинственное свечение, исходящее из полотен Ивана Кудряшова, особенно впечатляет и завораживает в великолепной работе «Свечение/Люминесценция» (1926) из собрания музея современного искусства греческого города Салоники. Осваивая структурированное пространство, наполненное световыми потоками, Кудряшов исследует и создаёт космические композиции, выразительно показывающие размышления художника о мироздании и его восприятие пространственных конструкций в движении миров. На выставке представлена пространственная живопись и «космизм» Кудряшова из собрания государственного музея имени Савицкого Нукус (Узбекистан). Вместе с картинами Кудряшова в залах экспонируются и интересные работы его сподвижников по супрематизму и конструктивизму (Эль Лисицкого, Ивана Клюна и др.). Специальный раздел выставки посвящён классическому раннему супрематизму и наиболее значительному, хорошо известному супрематическому проекту оформления первого советского театра в Оренбурге, выполненному Кудряшовым в 1920-21 гг. Эскизы росписей были выполнены смешанной техникой (живопись и коллажи) и являются ярким примером использования методов супрематизма в декоративной утилитарной форме. Эскизы были одобрены жюри конкурса, но, к сожалению, так и не были реализованы. Макет-реконструкция на выставке даёт представление о том, как могли бы выглядеть зал театра, ярусы, стены фойе и занавес. На выставке экспонируется много документов эпохи супрематизма – плакаты, материалы Уновиса, издания и черновики основоположников. Выставка открыта до 22 августа 2021 года. По билету также можно посетить постоянную экспозицию галереи - искусство XX века, где представлены «Купание красного коня» Петрова-Водкина, две версии «Чёрного квадрата» Казимира Малевича, работы Марка Шагала и других художников начала прошлого века.
Подробнее
Бесплатный мастер-класс 6 июня (онлайн)
Приглашаем всех желающих на открытое занятие по рисованию. Участие абсолютно бесплатное, предварительная регистрация не требуется. Возрастная категория 12+ Начало урока 6 июня в 16-00: вместе с профессиональным художником поэкспериментируем и нарисуем летнюю картину 2 способами. Предварительно рекомендуем распечатать вспомогательный шаблон на формате A4. Урок пройдет в онлайн-формате в наших сообществах в социальных сетях: Вконтакте Facebook Instagram Для участия приготовьте: Акварельные краски (обязательно несколько оттенков желтого в наборе) Кисти белки/пони/колонок на выбор (1 тонкая, 1 широкая) Бумага акварельная с добавлением хлопка (не менее A4) Простой карандаш Ластик Нож или ножницы Линейка/угольник Палитра Непроливайка с водой Линер-кисть или фломастер черный Линер черный Салфетки бумажные или тряпочка Все необходимые материалы возможно заказать с доставкой до двери https://tinyurl.com/7fxsajbs
Подробнее
Партнеры
проекта
