НОВОСТИ
УРОК ИЗО
Когда ты начинаешь работать с акварельными красками, легко запутаться в огромном выборе материалов для рисования. Неправильный выбор в самом начале пути художника может негативно сказаться на опыте рисования - настолько, что ты можешь сдаться из-за разочарования и даже прийти к убеждению, что тебе не хватает способностей. На самом деле рисунки, которые тебя не устраивают, могут являться результатом неподходящих материалов, которые были выбраны для творчества. В этой статье мы объясним, на что нужно обращать внимание при выборе основных материалов в рисовании. Если в самом начале собрать качественный набор художника, ты действительно сможешь оценить удивительные особенности рисования. А получение хороших результатов и прогресс в творчестве — отличный способ продолжать улучшать свои навыки. Итак, какие материалы тебе понадобятся для рисования акварелью? Конечно, основа - это краски, бумага и кисти. Минимальный список расходных материалов выглядит следующим образом: - Краски - Бумага - Кисти - Палитра (для смешивания и/или хранения красок) - Банка с водой - Карандаш - Фланель или впитывающие бумажные полотенца Давайте подробно познакомимся с каждым из них. Краски Нескольких тюбиков акварельной краски может хватить на месяцы или даже годы – проще всего начать с небольшого набора. А сколько же цветов понадобится? Основа любой акварельной палитры — тёплая и холодная версии каждого основного цвета. Это позволит тебе смешивать хороший диапазон цветов, включая яркие насыщенные оттенки и нейтральные, более тёмные оттенки по мере необходимости. Почему «тёплые» и «холодные»? Внешний вид красок определяется пигментами, входящими в их состав. Их можно разделить на «тёплые» (пигменты имеют оттенок красного, оранжевого или жёлтого) и «холодные» (зелёный, синий и фиолетовый). В зависимости от того, будешь ты смешивать тёплые или холодные цвета вместе, на бумаге получатся разные результаты. Когда наберёшься опыта, тебе скорее всего понадобится больше цветов, нежели стандартный набор из красных, оранжевых, жёлтых, зелёных, синих и фиолетовых оттенков. А что же насчёт чёрно-белой акварели? Обрати внимание – тебе не обязательно иметь эти цвета в наборе. Чёрный можно смешивать с другими цветами, а белый цвет получается из самой бумаги (просто можно не наносить краску на бумагу в тех местах, где необходим белый цвет). Кисти Художественная кисть поможет перенести твои идеи на бумагу и является одной из наиболее важных инструментов в рисовании. Для начала тебе понадобится две или три кисти. Для акварельных, масляных и акриловых красок существуют разные кисти. Те, что используются в акварельной или иной живописи, были специально разработаны для правильной работы с этим материалом. Принято считать, что лучшая кисть для акварели — это кисть из шерсти пушных зверьков. Соболиная кисть очень ценится за способность удерживать воду и упругость волосков. Беличьи кисти также использовались многими художниками-акварелистами в течение нескольких поколений из-за их огромной водоудерживающей способности. Кисти для акварели обычно выпускаются с тремя основными типами ворса: - Натуральные - Синтетические волокна - Смешанные (смесь натуральных и синтетических) Синтетические волокна из всех видов художественных кистей имеют наименьшую водоудерживающую способность. Ты можешь легко применять на бумаге любые техники акварельной живописи, используя как минимум три кисти – в твоём арсенале необходимы большая круглая кисть, кисть для очень больших областей (например, для неба или фона) и маленькая круглая кисть. Если намочить акварельную кисть в воде, то она заостряется, и кончиком кисти можно прорабатывать мелкие детали картины, а нажимая на кисть получать широкие мазки. Бумага для рисования Выбор бумаги для рисования — непростая задача. А получить наилучшие результаты можно только с бумагой художественного качества. Лучший тип акварельной бумаги — это специальная бумага, сделанная из хлопка. При использовании такой бумаги твой рисунок не потускнеет со временем, так как эта бумага не влияет на состав красок. Хлопковая бумага естественным образом впитывает влагу, она мягче и прочнее, чем бумага на древесной основе. Хлопковая бумага обычно является лучшим выбором для получения первого позитивного опыта рисования, но акварельная бумага на основе смеси хлопка и древесных волокон или только на древесной основе также неплохой выбор для начинающих художников. Акварель — это очень весело, и ты можешь легко использовать альбом для набросков и просто экспериментов. Для опыта можно попробовать и высококачественную бумагу, и бумагу «студенческого» качества, чтобы узнать возможности каждой из них. Таким образом ты поймёшь, что поведение краски является результатом используемых тобой материалов для рисования, а вовсе не отражением твоих навыков. Палитра для красок Разнообразие палитр можно разделить на несколько видов: - Студийные палитры; - Портативные палитры; - Палитры для смешивания красок. Палитра студийных красок — это то, что ты будешь использовать исключительно в помещении. Такая палитра будет содержать несколько пустых лунок для выдавливания краски и иметь плоскую поверхность для смешивания цветов. Эти палитры могут различаться по размеру. Переносная палитра для красок представляет собой металлическую или пластиковую коробку с откидной крышкой. Она как правило маленькая и достаточно компактная для путешествий, рисования на природе или студийной живописи. Ты сможешь наполнить такую коробку «баночками» с готовой краской или выдавить краску из тюбика в пустые отсеки. Назначение палитры для смешивания красок говорит само за себя – она не имеет отсеков для хранения красок и используется исключительно для смешивания красок. Как же выбрать акварельную палитру? Хорошая палитра должна иметь ярко-белую поверхность, чтобы тебе было удобно различать цвета красок. Размер ячеек для краски должен соответствовать размеру кисти, которой ты будешь пользоваться чаще всего. В больших лунках удобнее набирать краску большой кистью. Материал палитры должен быть прочным и легко чиститься. Кроме того, подумай о том, как ты собираешься использовать свою палитру. Есть ли у тебя постоянное место для рисования в помещении, где ты можешь оставить свои «инструменты» и вернуться к рисованию, когда захочешь? Или же ты чаще рисуешь на природе или даже находясь в дороге? От этого и будет зависеть выбор удобной палитры. Интересно, что ты можешь использовать простую тарелку взамен палитры! Только бери белую фарфоровую тарелку – керамическая тарелка имеет тенденцию окрашиваться. Такую тарелку следует оставить только для акварели, чтобы избежать возможных проблем из-за токсичности некоторых красок. Другие необходимые принадлежности для рисования Плоская деревянная доска – прикрепив бумагу к ней, это позволит тебе наклонять доску при работе с влажной краской. Клейкая лента - чтобы прикрепить листы к доске, тебе, конечно же, понадобится малярный скотч. Ищи ленты с пометкой «чертёжная» или «малярная», а не «художественная» лента. Художественный скотч, как правило, обладает недостаточно липкой лентой, а малярная лента более клейкая и её легко открепить без следов на бумаге. Банки для воды – тебе пригодится какая-то большая ёмкость, чтобы вместить достаточное количество воды для смешивания красок и ополаскивания кистей. Банка из стекла со временем меньше окрашивается. Также лучше использовать две банки – одну для ополаскивания кистей от краски, а вторую – для добавления чистой воды на поверхность бумаги или приготовления «свежих» смесей красок. Карандаш пригодится для набросков и эскизов. Будь осторожен - не используй слишком твёрдые карандаши, потому что они могут оставить вмятины на поверхности бумаги после стирания ластиком. На карандаше обычно стоит маркировка – тебе понадобится карандаш НВ и 2В. Скетчбуки — хороший старт для начинающих художников. Такой альбом поможет тебе регулярно практиковаться, а плотная бумага в скетчбуках как правило имеет гладкую поверхность и подходит как для карандашных набросков, так и для акварельной живописи. Впитывающая воду ткань — ещё один важный элемент твоего творческого комплекта. Такие полотенца можно использовать, чтобы вытереть кисть или убрать избыток влаги на картине. Для этих целей подойдёт даже обычное кухонное полотенце для вытирания посуды. Успехов и счастливого рисования!
Подробнее
ВСЕ ЦВЕТА РАДУГИ
С тех пор, как человечество начало использовать красящие пигменты, люди стали обращать внимание и изучать влияние тех или иных цветов на наше психологическое состояние. Теория цвета — термин, используемый для описания свода особых правил и указаний, касающихся использования цвета в искусстве и дизайне. Эта теория была впервые упомянута итальянским гуманистом, писателем и художником Леоном Баттиста Альберти ещё в 1435 году. В конце 15 века художник Леонардо да Винчи предложил альтернативную иерархию цветов, но только в 18 веке появилось понимание теории цвета благодаря концептуализации цветового круга математиком Исааком Ньютоном, которая была подробно описана в его книге «Оптика» в 1704 году. У каждого художника, рекламщика и дизайнера свой подход к выбору цветовых оттенков в работе. Многие крупные компании включили зелёный цвет в свой брендинг, чтобы вызвать у потребителя ощущение свежести, спокойствия и здоровья. Дизайнеры интерьеров часто используют оттенки фиолетового, чтобы создать ощущение роскоши и богатства, поскольку этот оттенок давно ассоциируется с королевской властью. Художники также используют заранее продуманные цветовые палитры в рисунках и картинах, чтобы вызвать определённую реакцию у публики. Что же такое психология цвета? Это изучение оттенков цвета как детерминанты поведения человека – оно показывает, как тот или иной цвет влияет на нас во всех аспектах жизни. От когнитивных способностей до потребительских моделей, каждый из нас проявляет в разной степени эмоциональную реакцию на оттенок, насыщенность и яркость цветов. Реакция каждого из нас на цвета уникальна и зависит от личного и культурного опыта. Например, в Соединённых Штатах жёлтый часто ассоциируется с солнцем и поэтому считается весёлым и ярким цветом. Во Франции, однако, жёлтый цвет предполагает эмоции ревности и предательства, и в 10 веке таким оттенком даже рисовали специальные отметки на домах преступников. Психологические эффекты холодных цветов Синий Синий цвет имеет множество значений, которые зависят от географического положения разных культур. В западных культурах синий обычно считается успокаивающим, безмятежным цветом, потому что он ассоциируется с природными элементами, такими как вода и небо. Его также связывают с более низким артериальным давлением и замедлением дыхания, поэтому многие дизайнеры интерьеров выбирают его для комнат, где клиенты проводят большую часть времени. Синий также вызывает чувство безопасности, доверия и власти, поэтому он часто является доминирующим цветом в полицейских учреждениях, а банки и кредитные карты часто используют синие оттенки в своих логотипах. В других мировых культурах синий цвет приобретает совершенно другое значение. В Азии и на Ближнем Востоке синий олицетворяет бессмертие в связи с Кришной - индуистским божеством, символизирующим любовь и божественность. В таких странах, как Турция, Греция и Албания, синий амулет в форме глаза, известный как «дурной глаз», носят, чтобы защитить своего владельца от вреда. В Украине синий считается лечебным цветом. Пабло Пикассо - «Трагедия» (1903 г.) Синий также может вызывать грусть или отчуждённость. В ранних работах Пабло Пикассо прослеживается его «голубой период», который длился с 1901 по 1904 годы. В это время мастер рисовал монохромные произведения искусства в оттенках синего и сине-зелёного, как бы отражая собственное состояние меланхолии. Использование тёмно-синего цвета передавало в его работах боль и запустение, и многие из сюжетов Пикассо того времени отражали образы изгоев. Зелёный Зелёный также ассоциируется с природой, считается освежающим и спокойным и часто может символизировать удачу, здоровье и процветание. Так, актёры часто остаются перед выступлением на сцене в «зелёных комнатах», чтобы успокоить нервы, поскольку считается, что этот цвет снимает стресс и оказывает успокаивающее действие. Клод Моне - «Пруд с водяными лилиями» (1899 г.) Естественные, спокойные аспекты этого цвета можно увидеть во многих работах гения импрессионистов Клода Моне. Этот оттенок особенно заметен в его картине 1899 года «Пруд с водяными лилиями», на которой изображён арочный деревянный мост через пруд. Композиция состоит в основном из пышной зелени. Моне был поглощён выбором цвета и даже однажды сказал: «Цвет — это моя ежедневная одержимость, радость и мучение». Фиолетовый Считается, что фиолетовый пробуждает творчество и воображение. Он часто ассоциируется с королевским величием, поскольку исторически так сложилось, что только богатые люди могли позволить себе дорогие изделия, изготовленные из сложного в производстве пигмента. Более светлые оттенки этого цвета, как правило, вызывают спокойные эмоции и умиротворённость. Фиолетовый цвет также имеет символическое значение. «Фиолетовая проза» описывается как крайне образная и склонная к преувеличениям. Джорджия О’Киф – «Петунья» (1925 г.) Американская художница Джорджия О’Киф использовала фиолетовый цвет во многих своих работах: «Фиолетовые листья» (1922 г.) и «Петунья» (1925 г.) демонстрируют яркость естественного оттенка. Об использовании цвета в петуниях О'Киф однажды сказала: «Я решила, что если я смогу нарисовать этот цветок в огромном масштабе, вы не сможете игнорировать всю красоту фиолетового». Психологические эффекты тёплых цветов Красный Красный цвет может вызывать разные эмоции, в зависимости от его использования. У этого цвета яркие, интенсивные характеристики, которые вызывают сильную реакцию у большинства людей, именно поэтому многие бренды и рекламодатели пытаются извлечь выгоду из его заметности для стимуляции эмоций. Например, YouTube, как и многие другие крупные компании, использует красный цвет в своём логотипе, чтобы подчеркнуть название своего бренда и привлечь зрителей. Красный также традиционно ассоциируется с проявлением таких сильных эмоций и чувств, как страсть, любовь, гнев и агрессия. Эдвард Мунк – «Крик» (1893 г.) Знаменитая картина художника-экспрессиониста Эдварда Мунка 1893 года «Крик» выполнена с использованием красных оттенков. Мунк исследовал различные психологические темы, и эта картина была призвана вызвать чувство подавляющей неуверенности. «Крик» передаёт видение, которое Мунк испытал во время прогулки со своими друзьями, когда, со слов художника, «воздух превратился в кровь», и он почувствовал сильную тревогу, которую и передал в своей картине через оттенки красного и оранжевого. Оранжевый Подобно красному цвету, оранжевый также считается оттенком, привлекающим внимание. Олицетворяя силу и энергию, оранжевый используется многими спортивными командами в своей форме. Хотя обычно оранжевый считается жизнерадостным цветом, он также может иметь противоположный эффект при его чрезмерном использовании. Марк Ротко – «Оранжевый, красный, жёлтый» (1961 г.) Американский представитель абстрактного экспрессионизма Марк Ротко часто использовал оранжевый цвет в своих работах. Ротко, известный своими большими прямоугольными полотнами, наполненными насыщенными цветами, стремился вызвать у публики человеческие эмоции в ответ на его тщательно подобранную палитру оттенков. В «Парусниках на закате» французского художника Фердинанда дю Пюигодо использование оранжевого цвета также создаёт яркий, энергичный тон. Жёлтый Жёлтый, пожалуй, самый яркий и интенсивный из всех пигментов, и в результате этот цвет как правило и вызывает сильные эмоции. Хотя он ассоциируется с весельем и теплотой, жёлтый также может восприниматься как резкий или вызывать разочарование или гнев при использовании в неправильном контексте. Жёлтый также связан со стимулированием аппетита, что объясняет, почему заведения быстрого питания, такие как McDonald’s, включают его в свои брендинговую и маркетинговую стратегии для привлечения клиентов. Поль Гоген – «Жёлтый Христос» (1889 г.) Интенсивность жёлтого цвета, который использовался в картине Поля Гогена «Жёлтый Христос», дополняется смелыми очертаниями. Усиленное, чрезмерное использование жёлтого цвета помогает передать изолированную жизнь и набожность крестьян, изображённых на картине. Психологические эффекты нейтральных цветов Чёрный Чёрный поглощает весь свет в цветовом спектре и кажется тяжёлым с визуальной точки зрения. Вот почему он экономно используется в искусстве и дизайне, хотя художники, стремящиеся произвести впечатление или вызвать более мрачные чувства, обычно полагаются на большое количество пигмента. Чёрный цвет принимает разные значения в разных контекстных средах. Например, в китайской философии фэншуй чёрный цвет относится к стихии воды и защищает энергию силы. Хотя чёрный часто символизирует смерть, мистицизм и зло, в культурах Египта и Ближнего Востока этот цвет наоборот ассоциируется с возрождением. Франсиско Гойя – «Сатурн, пожирающий своего сына» (1819-1823 гг.) Испанский художник Франсиско Гойя создал серию картин между 1819 и 1823 годами, которые называются «Чёрными картинами». Тёмные цветовые палитры и навязчивые образы, используемые в этих работах, вероятно, были данью страху и тревоге, которые преследовали Гойю после наполеоновских войн и двух перенесённых и почти смертельных болезней. Неудивительно, что и сейчас картины художника вызывают чувство паники и смятения (и не только из-за их сюжетов, а в значительной степени и из-за их цветов). Белый На противоположном конце цветового спектра белый часто ассоциируется с безопасностью и открытостью. Он рассматривается как мирный цвет, излучающий ясность. Точно так же белый цвет вызывает ассоциацию с чистотой (материальной и духовной), поэтому его часто используют в больницах для создания ощущения стерильности. В то время как в западных культурах этот цвет олицетворяет чистоту и элегантность, в различных восточных обществах белый тесно связан со смертью и в противоположность используется в траурных ритуалах. Ари Схеффер – «Искушение Христа» (1854 г.) Художник-романтик Ари Схеффер часто писал множество работ на христианские темы. Его картина 1854 года «Искушение Христа» демонстрирует использование белого цвета как символа ясности и мира, передавая эмоции посредством сентиментальных и чистых оттенков. Психология цвета используется в различных отраслях, потому что каждый оттенок может по-разному влиять на наше психическое состояние и настроение. Точно так же и цвета могут иметь разные ассоциации и значения в разных культурах. Анри Матисс с его выразительным использованием цвета является одним из многих влиятельных художников, которым приписывают революцию по отношении к цвету в искусстве. Он смело заявил: «Зелёный цвет вовсе не означает траву, а синий - это не всегда только небо». Матисс смог вызвать эмоциональный отклик в соответствии с используемыми в своих картинах цветами. Впоследствии многие творческие люди последовали его примеру, тщательно выбирая цвета в работе, полагаясь только на свои личные ощущения и основываясь на персональном эмоциональном восприятии.
Подробнее
Новогодний мастер-класс: рисуем акрилом
Приглашаем детишек и их родителей рисовать новогоднее волшебство акриловыми красками или гуашью в субботу, 25 декабря на видеомастер-класс. Наш опытный художник и член жюри конкурса Алла Решетникова покажет и расскажет как при помощи красок, кисточек и наклеек создать творческую работу на холсте в праздничной тематике. Все необходимы материалы для творчества мы собрали для вашего удобства по ссылке. Желаем вдохновения!
Подробнее
НЕ ВСТАВАЯ С ДИВАНА
Начиная с прошлого года, музеи и галереи мира, включая и столичные, одними из первых вынужденно закрыли свои двери для посетителей из-за ограничений, вызванных пандемией коронавируса. По этой причине многие впервые открыли для себя онлайн-мир культуры, хотя музеи уже несколько лет оцифровывают свои художественные коллекции и активно развивают интернет-пространство, чтобы искусство было доступно всем. В прошлом году поисковый сервис Google обнаружил, что запрос «виртуальные музейные туры» был одним из самых популярных. Неудивительно, что пандемия повлияла и на количество поисковых запросов о виртуальных мероприятиях, которое значительно выросло - в 2020 году запрос на «виртуальный музейный тур» занимал второе место в этой категории после «виртуальных экскурсий». В течение почти двадцати лет компания Google работает над амбициозным проектом, сотрудничая с более чем 2 тыс. ведущих галерей и музейных архивов по всему миру. Загрузив приложение Google Arts&Culture для iOS или Android или посетив сайт artsandculture.google.com, можно получить доступ к тысячам произведений искусства прямо со своего смартфона. К ним относятся оцифрованные музейные коллекции, выставки и трёхмерный обзор архитектурных шедевров. Не только Google, но и многие крупнейшие музеи планеты перешли на цифровые экспозиции. Предлагаем совершить виртуальное путешествие не только по известным галереям, но и некоторым менее известным хранителям жемчужин мирового искусства. Музей естествознания в Лондоне Музей естественной истории - один из самых популярных музеев в Великобритании. Интерактивный опыт его посещения позволяет познакомиться с 80 миллионами предметов, рассмотреть залы в обзоре 360 градусов и погрузиться в мировую историю благодаря турам профессиональных гидов. Дом-музей Фриды Кало в Мехико Онлайн-экскурсия по Голубому дому или Дому-музею мексиканской художницы Фриды Кало позволяет увидеть личные вещи, интерьер дома, а также представленные работы. Дополнительно на сайте доступна технология VR – если у вас есть специальные очки, посещение дома станет ещё более реальным. Музей Гуггенхейма в Бильбао Музей в Испании известен своей оригинальной архитектурой и с момента своего открытия в 1997 году является всемирным культурным центром. Для онлайн-обзора доступны не только фильмы и фотографии невероятного здания музея, но и современные инсталляции и коллекции авангардных работ. Музеи Ватикана Увидеть шедевры искусства, собранные в музейных комплексах Ватикана, можно и не путешествуя в Италию – на официальном сайте представлены панорамные обзоры и индивидуальные туры по знаменитой Сикстинской капелле и многим залам музея. Национальный музей Киото Национальный музей в Киото - один из крупнейших и старейших музеев Японии. Google Arts&Culture включает онлайн-посещение как временных выставок, так и постоянной экспозиции, включающей более 12 тыс. предметов искусства, таких как керамика, каллиграфия, текстильные работы и многое другое. Онлайн-экскурсия сопровождается комментариями гидов и позволяет глубже понять различные стили японского искусства. Эрмитаж в Санкт-Петербурге Государственный Эрмитаж в Санкт-Петербурге - второй по величине художественный музей в мире. Индивидуальное путешествие по музею доступно на официальном аккаунте компании Apple на YouTube. Пятичасовая цифровая экскурсия, запечатлённая на камеру iPhone 11 Pro, позволяет исследовать более 500 шедевров. На сайте Google Arts&Culture также можно подробно изучить произведения искусства из обширной коллекции музея. Музей Броуд в Лос-Анджелесе Один из музеев современного искусства, базирующихся в Лос-Анджелесе, музей Броуд, воплотил в своём аккаунте социальной сети Instagram уникальный цифровой проект, сочетающий звуковые эффекты с конкретными предметами своей коллекции. Один из проектов этой серии был назван «Бесконечный дрон», а съёмки проводились в «Зеркальной комнате бесконечности» Яёи Кусамы и сопровождались музыкой современных композиторов. Другой проект в соцсетях назван «Взаимодействие: поэзия и искусство» и сочетает короткие видео произведений искусства из коллекции музея со словесными комментариями. Парижский Лувр Запатентованная цифровая технология музея Лувра в Париже позволяет людям перемещаться по значительной части музея, от коридоров до выставочных залов. Музей разместил все экспонаты своей коллекции на онлайн-платформе сайта, что позволяет любому, у кого есть доступ в Интернет, просматривать произведения из восьми коллекций. Вы можете не только рассмотреть изображения, но и виртуально прогуляться по музею, следуя по онлайн-карте или изучив записанные туры по галерее. Музей императорского дворца в Тайбэе В музее Тайбэя находится одна из крупнейших в мире коллекций китайских артефактов и произведений искусства. Ещё в 2017 году музей оцифровал 70 тыс. изображений из своих коллекций, а посетить его территорию можно виртуально – онлайн-прогулка доступна как снаружи, так и внутри музея. Национальный музей современного искусства в Сеуле Пример южнокорейского музея демонстрирует захватывающий цифровой опыт, охватывающий виртуально как текущие выставки, так и архивные коллекции. Google Arts&Culture также предлагает трёхмерный вид на архитектуру музея. Помимо виртуальной экскурсии на сайте можно познакомиться с сотней других различных «экспонатов» - это бесплатные для просмотра видеоролики с выступлениями, виртуальные туры по конкретным залам и интервью с художниками. Пергамский музей в Берлине Пергамон или Пергамский музей - один из крупнейших музеев Германии. В этом историческом музее хранится множество древних артефактов, включая ворота Иштар Вавилона и, конечно же, Пергамский алтарь, которые можно лицезреть виртуально. Музей Ван Гога в Амстердаме Музей Ван Гога в Амстердаме, где хранятся многие работы голландского мастера, максимально использовал свои онлайн-ресурсы во время закрытия из-за пандемии. Постоянная коллекция работ художника доступна на официальном сайте музея, а виртуальный видеотур в формате 4К в нескольких частях открыт на YouTube-канале музея. Национальная галерея Виктории Художественная галерея в Мельбурне - самая старая и самая посещаемая галерея в Австралии. Ограниченный доступ в Австралию (да и в пределах самой страны) – не помеха для просмотра большей части музея в виртуальном формате. В дополнение к 70 тыс. экспонатам, которые можно посмотреть на официальном сайте музея, предлагаются услуги и виртуальных школьных экскурсий: доступно 17 различных программ, которые можно забронировать онлайн. Национальный музей вычислительной техники в Милтон-Кинсе Являетесь ли вы фанатом технологий, интересуетесь ли историей или просто ищете оригинальный музей для онлайн-посещения, - лучшим выбором может быть британский Национальный музей вычислительной техники. Музей расположен в Блетчли-парке города Милтон-Кинс - месте, известном как сверхсекретный дом для дешифровщиков времён Второй мировой войны (именно здесь был взломан шифр «Энигма»). Онлайн-выставки позволяют прогуляться по музею и познакомиться с архивными материалами. Сайт включает более чем 100 выпусков подкастов. Кроме того, музей предлагает для бронирования и виртуальные тематические мероприятия. Некоторые музеи существуют только в онлайн-формате. Таким является музей «Женщины Казахстана» - онлайн-проект в социальной сети Instagram с аналогичным названием в Facebook и Twitter, основанный и возглавляемый Динарой Асановой, который включает коллекции фотографий, иллюстраций и архивных материалов для документирования роли женщин в формировании казахстанского общества. А Музей разводов в Хорватии представляет собой виртуальное пространство коллекции предметов, каждый из которых является символом разорванных отношений по всему миру. Оригинальный творческий арт-проект, придуманный Олинкой Виштица и Драженом Грубишичем в 2006 году, был отмечен премией EMYA Kenneth Hudson Award как самый инновационный и смелый музейный проект в Европе. Хотя интерактивные художественные мероприятия всегда будут отличаться от реального посещения, они предлагают удобную и, что немаловажно, бесплатную альтернативу познавать искусство, особенно в нынешний период противовирусных ограничений.
Подробнее
ИСКУССТВО НА ПРИРОДЕ
Что такое ленд-арт? Ленд-арт - это произведение искусства, которое создано на природных ландшафтах. В то время как современные произведения искусства можно продавать с целью получения прибыли, художники движения ленд-арт отвергают коммерциализацию и вместо этого создают крупномасштабные инсталляции в сельской местности, которые часто говорят о силе, просторе и красоте природы. В 60-х и 70-х годах прошлого века, когда возникло это направление, люди специально приезжали в отдалённые районы, чтобы увидеть эти произведения искусства, что усиливало интерес к природе и сельской жизни. В чём разница между ленд-артом и экологическим искусством? Несмотря на то, что они похожи по своей природе, между ленд-артом и экологическим искусством есть несколько ключевых различий. Ленд-арт относится к искусству, которое расположено в месте, где оно было создано, часто с окружающими элементами, интегрированными непосредственно в скульптуру или композицию. Это делает образцы ленд-арта неподвижными и невозможными для экспозиций в других местах. Экологическое искусство, напротив, относится к переносному объекту, который включает в себя природные элементы или говорит о текущих экологических или социальных проблемах. Экологическое искусство часто включает в себя элементы науки или политики и подчёркивает пагубное влияние массового потребления на окружающую среду нашей планеты. Когда возник ленд-арт? Хотя основы ленд-арта уходят корнями в историю мирового искусства, включая Стоунхендж в Великобритании, древние пирамиды в Египте и геоглифы плато Наска на юге Перу, современное движение утвердилось в 60-е годы прошлого века. В движении ленд-арт многие художники использовали элементы и приёмы концептуального искусства или минимализма. Одним из наиболее ярких примеров ранних выставок, посвящённых исключительно этому движению, является выставка Earth Art 1969 года в Художественном музее Эндрю Диксона Уайта Корнельского университета в Нью-Йорке. Выставка, организованная местным художником Уиллоуби Шарпом, объединила искусство и активизм, поставив под сомнение необходимость установления границ в искусстве и обществе. После того, как эта ключевая выставка получила признание, движение ленд-арта стало разрастаться по всему миру. В то время как популярность движения прочно установилась в Соединенных Штатах и Великобритании, ленд-арт в 1960-х и 1970-х годах появился и в других регионах мира. Среди популярных практиков ленд-арта были Роберт Смитсон, Нэнси Холт и Эндрю Роджерс. К одному из ярких представителей этого направления в нашей стране можно отнести Франсиско Инфанте с его знаменитой работой «Странствия квадрата». Однако это движение начало ослабевать в середине 1970-х годов, когда рост мировой экономики стал замедляться и частное финансирование стало недоступно. Несмотря на то, что традиционные формы ленд-арта сегодня менее распространены, чем в середине 20-го века, основные принципы и характеристики направления можно увидеть в движениях и современного искусства, таких как экологическое искусство и экологическая скульптура. Ключевые характеристики ленд-арта Основополагающие принципы ленд-арта включают в себя выражение уважения к земле, наличие важной связи с местом, где находится произведение, и смысловое сообщение, вдохновляющее на социальные или экологические изменения. Следуя этим принципам, художники помогли популяризировать более позитивные отношения между аудиторией и природой, что было особенно важно во время стремительно быстрого развития городской среды. Проблемным аспектом ленд-арта была его недоступность, что противоречило идеологии движения, в котором искусство принадлежит всем. Из-за того, что для многих ключевых работ были выбраны удалённые места, не все могли увидеть их лично. Чтобы запечатлеть инсталляции и скульптуры, использовались фото- и видеосъёмка, а затем изображения и записи выставлялись в музеях и галереях. Известные примеры ленд-арта Ричард Лонг, «Линия, сделанная ходьбой» (1967 г.) Один из первых произведений ленд-арта был создан британским художником Ричардом Лонгом в 1967 году. Он нарисовал линию на траве поля, оставив едва заметную дорожку, протоптав её ботинками ещё студентом во время прогулок с учёбы в Бристоле. После автор продолжил воплощать свои работы в мире природы. Во время путешествий на природе он построил верёвочные и каменные круги, создавал надписи грязью. Майкл Хейзер, «Двойное отрицание» (1969 г.) Сочетая элементы минимализма и концептуального искусства, американский художник Майкл Хейзер создал в 1969 году произведение «Двойное отрицание» в долине Моапа, штат Юта. При помощи динамита в земле образовалась пропасть размером 9 на 15 метров. Искусственно созданное ущелье в пустыне Невада остаётся одним из немногих сохранившихся примеров ленд-арта. Движение ленд-арта впервые появилось в конце 1960-х и бросило вызов местоположению, материалу, размеру и временному существованию произведения искусства. Вырезы обращены друг к другу через углубление на зубчатом периметре плато, образуя непрерывное изображение, толстый линейный объем, который соединяет и объединяет «негативное» пространство между ними. Роберт Смитсон, «Спиральная дамба» (1970 г.) Одним из самых известных произведений ленд-арта является «Спиральная дамба», созданная в течение шести дней американским скульптором Робертом Смитсоном в 1970 году. Используя природные материалы, включая чёрные базальтовые породы, кристаллы соли и землю, Смитсон задокументировал строительство спирали длиной более 450 метров в одноимённом фильме. Расположенный у берега Большого Солёного озера в штате Юта, это произведение является свидетельством мимолётной красоты природы и важности её сохранения, поскольку конструкция была намеренно построена в такой местности, где она подвергается естественным процессам эрозии земли. Нэнси Холт, «Солнечные туннели» (1976 г.) Используя природу как среду, «Солнечные туннели» Нэнси Холт бросили вызов традиционному определению того, что может быть искусством. Расположенные посреди пустыни Юты, туннели представляют собой четыре аккуратно установленных бетонных цилиндра. Посетителей приглашают войти в эти туннели и наблюдать за восходом и закатом солнца. В цилиндрах сделаны отверстия, чтобы внутри можно было видеть созвездия, такие как Персей и Козерог. Используя бетон, обыденный и промышленный материал, американская художница смогла отвлечь внимание от самих цилиндров и обратить внимание на красоту пейзажа вокруг. Вальтер де Мария, «Поле молний» (1977) Подобно композиции Нэнси Холт, «Поле молний» было создано американцем Вальтером де Марией в 1977 году с использованием нетрадиционных материалов. Скульптура состоит из 400 стальных столбов из полированной нержавеющей стали, расположенных сеткой на большом поле в Кемадо, штат Нью-Мексико, для притяжения молний во время штормов. В зависимости от непредсказуемых погодных условий, столбы могут принимать различные формы. Агнес Денес, «Пшеничное поле - противостояние» (1982) В 1982 году прямо посреди высоких небоскрёбов Нью-Йорка Агнес Денес создала инсталляцию в стиле ленд-арт, которое отклонялось от более традиционных характеристик произведений искусства с применением природных материалов. Вместо того, чтобы установить свою композицию в отдалённом месте, Денес предпочла разместить её на площадке стоимостью 4,5 миллиарда долларов. Денес сознательно выбрала это место - свалку, созданную при строительстве башен-близнецов, всего в двух шагах от Уолл-стрит, место фондовой биржи, где торгуют такими товарами, как пшеница, - чтобы одновременно обратить внимание общественности на состояние мировой экономики и экологию Земли. На участке Денес посадила и успешно собрала более 450 килограммов пшеницы в течение четырёх месяцев, которые затем были переданы в дар голодающим странам. Маринус Боэзем, «Зелёный собор» (1987) Хотя движение ленд-арта распространялось преимущественно в США и Великобритании, его влияние постепенно распространилось по всему миру. Ярким примером является «Зелёный собор», созданный Маринусом Боэземом в апреле 1987 года в Южном Флеволанде, Нидерланды. Используя деревья ломбардского тополя, чтобы воссоздать подобие собора Нотр-Дам во Франции, Бозем разработал потрясающую и захватывающую инсталляцию, которая доказывает, что красота природы может легко конкурировать с сооружениями, созданными человеком. Андрес Амадор, «Земляной ландшафт» (2004) Земляные пейзажи художника Андреса Амадора, основанные на геометрических и произвольных формах, представляют собой узоры, нарисованные на песке. Его первое произведение ленд-арта появилось на Оушен-Бич в Сан-Франциско в 2004 году, а мимолётная красота композиции была запечатлена на камеру незадолго до того, как его смыло приливом. С тех пор Амадор создал сотни других невероятных пейзажей ленд-арта по всему миру. Амадор выбирает пляж, на котором во время отлива можно создать свои рисунки на песке, а сразу после этого он фотографирует свою работу с помощью дрона. Эндрю Роджерс, «Геоглиф Бунджил» (2006) В 2006 году художник Эндрю Роджерс создал скульптуру как дань уважения коренным народам Австралии, изобразив Бунджила - мифического защитника и духа аборигенов Ватхауронг в образе орла. Скульптура из камней, найденных в этой местности, была построена в региональном парке Ю-Янгс в Виктории. Размах крыльев Бунджила – около ста метров. Лита Альбукерке, «Звёздная ось: Антарктида» (2006) Первое произведение искусства в Антарктиде состояло из 99 синих сфер из стекловолокна, расположенных на участке около 180 метров, которые коррелировали по размеру и местоположению со звёздами на небе (узор, отражающий траекторию звёзд в период летнего солнцестояния). Художник Лита Альбукерке представила это произведение в 2006 году после многих лет работы. Закон об охране Антарктики запрещает загрязнение континента, поэтому инсталляция была разобрана. Майкл Граб, «Каменный баланс» (2008) Канадский художник и фотограф Майкл Граб создаёт скульптуры из камней на природе, начиная с 2008 года. То, что начиналось как эксперимент в Боулдер-Крик, штат Колорадо, теперь стало глобальным событием ленд-арта - Граб путешествует и создаёт такие композиции в отдалённых и густонаселённых районах по всему миру. После того, как он заканчивает свои скульптуры, автор фотографирует их и сразу уничтожает, подчёркивая эфемерность искусства. Майя Лин, «Волновое поле короля бури» (2009) Элементы природы объединены в работе художницы Майи Лин в парке скульптур в Маунтинвилле, штат Нью-Йорк. Лин расположила на травянистом холме в неглубокой впадине семь параллельных рядов, напоминающих морские волны. Нортхала Филдс (2008) Нортхала Филдс - это отмеченный наградами парк в загородном стиле, расположенный в Нортхолте, Великобритания. Он был открыт в 2008 году и состоит из четырёх искусственных холмов. Холмы были построены из щебня после сноса первоначального стадиона Уэмбли, который был закрыт в 2000 году и снесён в 2003 году. Дизайн ландшафта спроектировало лондонское бюро под названием FoRM Associates, в состав которого вошли архитектор, ландшафтный архитектор и художник. Ленд-арт бросил вызов стандартам традиционного искусства, побуждая художников исследовать и интерпретировать социальные и политические проблемы общества в своих работах. Эта интеграция является отличительной чертой современного искусства, включая новые движения.
Подробнее
НАИБОЛЕЕ ИЗВЕСТНЫЕ КОЛЛЕКЦИИ МИРА
Когда мы говорим о величайших произведениях искусства, многие из нас сразу же вспоминают крупные международные коллекции, которые хранятся во всемирно известных музеях, таких как Лувр в Париже или Эрмитаж в Санкт-Петербурге. Однако порой шедевры живописи и скульптуры могут прятаться в несколько неожиданных местах – например, в библиотеках или даже в садах. Предлагаем познакомиться с наиболее известными коллекциями мира, собранными в не совсем привычных для ценителей искусства местах. Амброзианская библиотека, Милан, Италия Столица моды и дизайна, Милан в Северной Италии, - также хорошо известный центр для поклонников искусства эпохи Возрождения. Именно в этом городе Пинакотека (галерея) Брера хранит впечатляющую коллекцию картин Рафаэля, Лоренцо Лотто, Тинторетто, Карпаччо и многих других мастеров, а трапезная соседнего монастыря Санта-Мария-делле-Грацие украшена изображением «Тайной вечери» Леонардо да Винчи. Вблизи этих известных туристических мест располагается старейшая библиотека Амброзиана, которая также может похвастаться невероятной коллекцией произведений искусства. Основанная в семнадцатом веке кардиналом Федерико Борромео, библиотека изначально являлась собранием более чем 15 тыс. томов, а со временем расширилась за счёт и произведений искусства, большая часть которых переехала в соответствующую пинакотеку. Часть коллекции библиотеки - двенадцать кодексов (древних рукописей) с рисунками Леонардо да Винчи. Это одно из самых обширных собраний его эскизов в одном месте. Наброски на бумаге демонстрируют планы Леонардо относительно его многочисленных проектов, все они прорисованы с невероятной детализацией (стоит отметить, что аналогичный набросок да Винчи под названием «Голова медведя» был продан в начале этого года на аукционе Кристис за рекордную сумму в более чем 8 млн. фунтов стерлингов). Помимо набросков великого итальянского мастера, в миланской библиотеке хранится свыше 10 тыс. рисунков других именитых художников. Библиотека в Эскориале, недалеко от Мадрида, Испания Ни один дворцовый комплекс эпохи Возрождения или барокко не обходился без библиотеки. Но то, на что стоит обратить внимание в библиотеке дворца испанского короля Филиппа II конца XVI века - это не обязательно тома книг, которые в ней хранятся, а впечатляющие произведения искусства, которые её украшают. Главная библиотека дворца Эскориал излучает роскошь барочного дизайна, возникшего в Испании в конце 1500-х годов. Верхний цилиндрический свод длинной библиотечной комнаты этой библиотеки разделён на расписанные фресками регистры, изображающих четыре вида науки, включая арифметику, астрономию, грамматику и музыку. Миланский художник Пеллегрино Тибальди создал многие фрески в стенах испанского дворца-монастыря, предположительно черпая вдохновение в своих исследованиях более ранних римских мастеров в расписанных фресками коридорах Ватиканского дворца. Кстати, библиотека Эскориала уступает лишь ватиканской. Ботанический сад, Атланта, США Ботанический сад Атланты открылся в 1973 году как естественный оазис для жителей быстро развивающегося мегаполиса. С тех пор эти сады выросли и заняли более тридцати акров цветущей красоты. Однако часть этой красоты – это и произведения искусства, выставленные в саду. Среди флоры располагаются стеклянные инсталляции современного художника Дейла Чихули. Изначально установленные как часть монументальной выставки 2004 года под названием «Чихули в саду», некоторые из работ американского стеклодува до сих пор украшают территорию, создавая потрясающее сочетание природных растений и ярких композиций из цветного стекла. Библиотека Тринити-колледжа, Дублин, Ирландия В столице Ирландии Дублине расположен Тринити-колледж, один из самых престижных университетов Ирландии, где находится крупнейшая библиотека страны. Официально учреждённая в 1556 году в рамках открытия университета, коллекция библиотеки насчитывает около 7 млн. томов. Самый известный и редкий экземпляр библиотеки - Келлская книга, один из самых ценных образцов рукописных иллюстрированных книг. Книга IX века была подарена библиотеке в 1660-х годах и представляет собой иллюстрированный средневековыми художниками манускрипт Евангелия на латыни. Одна из первых сохранившихся иллюстрированных книг демонстрирует мастерство её создателей, причём многие из более чем 600 страниц заполнены замысловатыми узорами и миниатюрами из сусального золота. Только отдельные части книги доступны для просмотра в данный момент, но даже беглый взгляд на несколько её страниц показывает безупречную красоту средневековой рукописи. Музей естествознания, Лондон, Великобритания Лондонский музей естественной истории предлагает энциклопедическую коллекцию естествознания для посетителей. Основанный в восемнадцатом веке сэром Гансом Слоуном, музейные фонды с тех пор разрослись до огромной коллекции, состоящей из почти 80 миллионов образцов и артефактов (включая некоторые, обнаруженные знаменитым натуралистом Чарльзом Дарвином). Поклонников искусства (и дизайна интерьеров) ждёт невероятная коллекция гравюр Джона Джеймса Одюбона в музее. В их числе - изображения из знаменитой книги Одюбона «Птицы Америки», издания, содержащего более 400 изображений различных птиц. Эта книга считается знаковым творением Одюбона и может достигать невероятных аукционных цен. Например, в 2018 году одно издание было продано за более чем 9 млн. долларов на аукционе Кристис. В Москве, посетив Андроников монастырь на берегу реки Яузы, можно ознакомиться с обширной коллекцией более чем 13 тыс. икон и фресок, датируемых XII—XX веками. В Спасском соборе комплекса содержатся фрагменты фресок, выполненных иконописцем Андреем Рублёвым. На территории монастыря хранятся и около 2 тыс. рукописных и старопечатных книг, включая книги кириллического шрифта из Москвы, Киева, Вильно, Львова, Острога.
Подробнее
ВЫБИРАЕМ ОСНОВУ ДЛЯ РИСОВАНИЯ
Холст - это традиционная основа для живописи, веками используемая мастерами. Есть две основные причины, по которым художники любят рисовать на холсте: его восприимчивость к кисти и его долговечность. Если вы хотите создать произведение искусства, которое сохранится на века, не может быть ничего лучше холста. Холст - также лучший вариант, если вы хотите создать очень большую картину. Термин холст служит общим определением для любой ткани, которая используется в качестве основы для рисования. Ткань может быть хлопковой (чаще всего), льняной (более дорогой вариант) или из синтетического волокна (редко). Холст для рисования предлагает множество преимуществ по сравнению с бумагой - не в последнюю очередь в том, что он намного долговечнее, что гарантирует сохранность вашей работы. На протяжении веков масляная живопись выполнялась на специально подготовленных деревянных панелях. Это была отличная жёсткая поверхность для рисования, но факторы окружающей среды могли вызвать растрескивание и деформацию, к тому же такие панели было тяжело перевозить. В результате художники часто выбирали лёгкий натянутый холст. Холст обычно изготавливается из льна или хлопка, натуральных волокон, которые сплетаются вместе, а затем натягиваются на раму или приклеиваются к панели. Каждое волокно бывает разной текстуры или веса. Текстура зависит от плетения, поэтому тонко сплетённый холст получается гладким и лучше всего подходит для небольших, детализированных работ. Шероховатая текстура предпочитается художниками, которые любят смелые мазки и более масштабные по размеру картины. Вес зависит от плотности нити - чем больше вес, тем лучше качество холста. Сегодня вы можете зайти в любой художественный магазин и заметить, что наиболее распространённые холсты сделаны из хлопка, предварительно загрунтованного акриловым гипсом, и из льна, загрунтованного масляной грунтовкой. Крупные художественные магазины часто предлагают услуги по изготовлению холста на заказ, который выдержит испытание временем, но придётся заплатить за это немалую сумму. Холст для акриловой живописи обычно натягивают на деревянную раму, называемую подрамником, а затем грунтуют левкасом, который создаёт поверхность, восприимчивую к краске. В отличие от масел, акрил будет держаться на холсте без грунтовки, но цвета могут быть несколько тусклыми по сравнению с акриловыми красками, нанесёнными на грунтованный холст. Кроме того, текстура холста будет более заметной на холсте без грунтовки. Вы можете купить предварительно натянутые готовые грунтованные холсты самых разных форм и размеров по разумной цене. Хлопковый холст - самый распространённый и самый дешёвый холст для рисования. Он бывает разного веса (толщины) и переплетения (насколько плотно сплетены отдельные нити ткани). Самые дешёвые хлопковые полотна имеют неплотное плетение, и ткань может легко деформироваться при растяжении, если вы не будете осторожны. Если ваш выбор - это хлопковый холст, вы можете найти его дешевле в магазине тканей, чем в магазине товаров для искусства. Заполнить углубления в переплетении ткани можно грунтовкой или левкасом, чтобы создать более гладкую поверхность для окраски, особенно если вы наносите несколько слоёв краски, каждый раз шлифуя их. Или вы можете использовать переплетение такого холста как часть текстуры вашей картины. Акварельный холст специально создан для акварельных красок. Работа на таком холсте действительно отличается от рисования акварелью на бумаге. Краска дольше остаётся влажной на поверхности, и вы можете наносить больше слоёв кистью. Лён обеспечивает превосходную поддержку для рисования из-за его большей прочности и более тонкой, гладкой, непористой поверхности холста по сравнению с хлопком. Если вы только начинаете рисовать на холсте, имеет смысл подобрать более дешёвый хлопковый холст, чтобы поэкспериментировать. Многие художники предвзято относятся к синтетическим волокнам. Однако вы можете использовать любую ткань для холста, при условии, что её волокна будут прочными, чтобы выдержать вес грунтовки и краски без искажений и разрывов. Если для вас важна долговечность, знайте, что жёсткая опора, такая как деревянная панель, - лучший выбор, так как в этом случае картина не будет прогибаться. Панель холста состоит из грунтованной ткани, наклеенной на доску. В лучшем случае холст оборачивается по краям архивной или бескислотной доски и приклеивается клеем, обеспечивая жёсткую текстурированную основу для живописи. В худшем - холст приклеивается к некачественной доске с помощью дешёвого клея и разрезается, что впоследствии приводит к деформации холста, поскольку он становится влажным при рисовании. Холсты доступны во множестве размеров и форматов. Стандартные форматы называются альбомными или портретными. Холст можно прикрепить скобами или прибить гвоздями к подрамнику сбоку или сзади или закрепить без скоб (так называемая шлифовка). Сейчас на художественном рынке появилось несколько новых холщовых панелей, которые имеют маркировку «профессионального качества», но они по-прежнему считаются бюджетным вариантом по сравнению с натянутым холстом. Если вы хотите, чтобы ваши холсты прослужили долго, не деформировались и не становились хрупкими, поищите в описании продукции такие термины, как «не содержащий кислоты» и «профессиональное качество». Какой бы материал вы ни выбрали для холста, вам нужно будет его загрунтовать. Грунтованные полотна могут быть пористыми и непористыми. Акриловая грунтовка для гипса сделает холст пористым, а масляный - непористым. Основной принцип заключается в том, что пористая грунтованная основа позволит краске высохнуть быстрее, поскольку содержащаяся в ней вода впитывается в саму основу. Непористая основа позволит краске высохнуть естественным путём только за счёт испарения воды. Основные преимущества заключаются в том, что краска дольше останется более влажной, а масляная краска сохранит свой блеск. На пористых грунтовках краска может выглядеть меловой, потому что она слишком быстро высыхает. Непористая грунтовка также даст вам больше контроля над мазками кисти, поскольку краска будет скользить по поверхности и дольше оставаться влажной. Итак, всё готово, холст загрунтован и готов к работе. Пора начинать рисовать!
Подробнее
Бесплатный мастер-класс в технике коллаж
Встречайте бесплатный мастер-класс для детей от 5 лет в технике коллаж. Будем делать работу "Котики". Для изготовления потребуются:1 вырезка из журнала с текстом,акварельная бумага,крафтовая и черная бумага (не более формата A5),акварель,кисти,белые и черные маркеры/линеры,ножницы,клей-карандаш,корректор,простой карандаш и ластик,салфетки,палитра,непроливайка,восковые мелки. Купить все товары в 1 клик для этого урока по выгодной цене. Используйте промокод ТВОРЧЕСТВО и получите подарок за покупку от 1500 рублей! Следуйте подробным инструкциям и все получится!
Подробнее
Диплом участника 11 сезона конкурса "Рисуем вместе с Комус"
Мы благодарим всех авторов за чудесные работы, присланные в 11 сезоне конкурса "Рисуем вместе с Комус"! Вы подарили нам много приятных минут, мы узнали тысячи новых имен талантливых ребят и мы уже с нетерпением ждем начала нового сезона нашего конкурса в марте 2022 года! К нашему большому сожалению, не все участники смогли приехать на региональные этапы и финал в Москве для вручения дипломов. Но мы приготовили для вас приятный сюрприз - уже сейчас вы можете скачать документ, подтверждающий участие в 11 сезоне всероссийского творческого конкурса "Рисуем вместе с Комус" с нашего сайта! СКАЧАТЬ ДИПЛОМ УЧАСТНИКА Для творческих руководителей мы подготовили отдельные благодарности, вы можете скачать их с нашего сайта. СКАЧАТЬ ДИПЛОМ ПЕДАГОГА
Подробнее
Победители сезона 2021
Друзья, в 11 сезоне конкурса "Рисуем вместе с Комус" мы получили тысячи классных, невероятных, трогательных, талантливых, замечательных и вдохновляющих работ. Вы подарили нам незабываемые моменты: каждая заявка дарила нам новые открытия на протяжении 7 месяцев! Мы благодарны вам за старания, за внимание к нашему конкурсу и за любовь к творчеству. Нашему жюри пришлось непросто: пришлось попотеть, чтобы выбрать призеров среди по-настоящему достойных работ. Просим не расстраиваться тех, кто не найдет сегодня себя в списке победителей: значит ваши большие победы еще только впереди! И не забывайте, что наш конкурс ежегодный Все участники смогут скачать диплом участника в электронном виде с нашего сайта после 17 октября. А с 15 по 17 октября мы ждем всех-всех на бесплатном онлайн-квесте https://risuemvmesteskomus.ru/o-konkurse/zhyuri/ Затаили дыхание и держим кулачки за каждого нашего автора. Совсем скоро опубликуем пост с приятными новостями от нашего жюри. Представляем список победителей сезона конкурса "Рисуем вместе с Комус" 2021 Лучший рисунок Гран-При Киселёва Софья Юрьевна 15 лет от 4 до 6 летВиноградова Вероника 5 летЛбова София 5 летНосов Тимофей 5 лет от 7 до 8 летСолодовников Никита Александрович 8 летНархов Марат 8 летКирпиченкова Дарья 8 лет от 9 до 12 летБуркина Анастасия 12 летПищулина Ника Сергеевна 12 летМамонова Алиса 10 лет от 13 до 15 летАхтырская Екатерина 15 летИванова Евгения 14 летАрабова Нафиса Азаматовна 13 лет от 16 до 17 летВихарева Алина 17 летНагибина Анастасия 17 летСеменова Татьяна 16 лет Лучшая поделка Гран-При Бройтман Марина 4 года от 4 до 6 летАверина Виктория 6 летМаркина Ирина 4 годаФедорина Полина 6 лет от 7 до 8 летМажарова Лиза 8 летАлтынчурина Амина Артуровна 8 летТрофимова Анастасия Витальевна 8 лет от 9 до 12 летРасторгуева Виктория 12 летЁрхова Злата 10 летШаров Сергей Антонович 11 лет от 13 до 15 летГришин Александр 14 летСтепанова Дарья 13 летБидонько Борис 14 лет от 16 до 17 летЕлисеев Михаил Владимирович 16 летРябов Егор Олегович 16 летЮрченко Руслан 16 лет Лучшая работа, выполненная при помощи компьютерных графических программ Гран-При Иванова Евгения 14 лет Потарская Олеся 15 летСтолярова Дарья 16 летГоккоева Милена 13 лет Лучший рисунок с включением логотипа "Комус Гран-При Кулаков Родион 13 лет Шпанбергер Елизавета 11 летДмитриев Андрей 7 летМетленков Василий 7 лет Призовой фонд от 18 и старше Гран-При Трехденова Анна Игоревна Лучшая фоторабота Култышева ЕленаНаумова НадеждаПивоварова Елена Лучший рисунок Гнатенко ТатьянаКовалева ЮлияМиронова Олеся Лучший видеоролик Нифантьев МаксимВалявина АннаГошевец Владислав Комикс Абрамова ОльгаМатагина Екатерина СергеевнаВласов Роман Евгеньевич Работа выполненная при помощи компьютерных и графических программ Шитова ЕленаНагорная ПолинаМиллер Ирина Декоративно-прикладное искусство Бочарова ОксанаШарова ЕвгенияСушко Анастасия Призы зрительских симпатий Васильев Владимир НиколаевичКачула ОльгаПолякова КираШпанбергер Екатерина Наш партнер, бренд №1 School выбрал победителей, чьи работы украсят обложки альбомов для рисования!Эти альбомы войдут в продажу по всей территории страны!<img class="c-emoarea__emoji" src="https://smmplanner.com/static/img/blank.gif" alt="
Подробнее
Партнеры
проекта
